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我要制作个人作品集，可在给作品集命名、作序和后记上烦恼，请各位老师帮忙。作品集要收录我个人小学到初中结束的精选作文、诗歌我给作品集原命名为“忆往昔”，但之后觉得文学底
我要制作个人作品集，可在给作品集命名、作序和后记上烦恼，请各位老师帮忙。作品集要收录我个人小学到初中结束的精选作文、诗歌我给作品集原命名为“忆往昔”，但之后觉得文学底蕴不够，太俗，希望各位老师帮我命名和作序，谢谢。
中小学生作文选
是什么作品啊？日本的平面设计水平为什么这么高？
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长文多图预警。 2012年从武汉到上海师范大学读了一年设计，中途辍学来日本。现在在一所东京的还算著名的美术大学里面跟着原研哉老师混了两年，要论中日两国的设计之差别，我想我还是有一些个人体会的。本来还有一大堆的课题要做，突然有一种不吐不快的感觉，现在就在微信上流传甚广的武藏野美术大学的图书馆里打完这篇文字。
我不想一味的赞赏日本，或者一味的贬低中国的设计，只是站在一个还未入行，尝试为着中国设计而考虑的一个设计系学生的角度来简单的说说我这几年的体会。如果其中论点有错误还请指正。
我们的生活环境往往会把我们拖入无可救药的平凡。“视野决定高度，思维决定高度”，包括我们的心里素质也决定了我们的高度。然而作为一个艺术从业者，“平凡”又或者说是从众思维的“平庸”将无疑是我们无法通向伟大的最大阻碍。作为一名学设计的学生我更加偏好称呼自己为半艺术从业者，这样比较让我心安，不用为自己的定位而担心，一旦有人称呼我为某个特定的职业的职人的时候，我就会心慌，因为我并没有达到所谓的职业标准。在很多方面我只算是一个爱好者。但并不能说我不是专业的，毕竟我受父亲的耳濡目染，学习美术到现在已经过了13年，交给我的任务还是基本能完成的。再之在日本的这几年教给我的最重要的还是谦虚的态度，学无止境，我们永远都要虚心，你永远都不会知道比你牛逼的人还有千千万万。首先这一点是所有做学问的基本。
回到主题，进入东京的美术大学之后，我一直在与我多年培养而成的“中国设计”的思维与定式做斗争。在微博等网络平台上也好，包括我在中国的大学期间学到东西也好，都差点让我走上了一条“万劫不复”的道路。虽然我已经隐隐约约的感觉到了自己现在走的才是一条真正的不归路。
追求形式上的美，结果主义。这是中国目前大学生或者想进入这个行业的人的普遍状态，而这可能就是中国一直做不出优秀原创品牌的原因。大学如此，社会也如此。在中国的大学时代，我觉得我的时间完全就被喂狗了。我所谓的学专业，就是一味的被微博或网络上所谓的的优秀作品教程洗脑，被“一星期学会ps”“如何做出冰火效果的海报”之类的技术流的信息所淹没。我的生活大部分都在看电影，泡妹子，然后再安逸的环境下觉得该学习了，晚上看看的ps教程练习练习我的c4d。那时候的我和千千万万的大学生同胞们并没有什么区别，行为上也好，心里上也好。被称为美术生的我多的只是一门操作软件的技术,这或许就是俗话所说的“普通”吧。这样的环境下培养出来的设计的学生，突然就到了公司实习，拿着低薪水，还要被客户逼的要跳楼。整个行业的的环境也大部分是以客户那些个能弄哭小孩的审美为主，客户一个不满意就不付款（国内现在慢慢出现了一些好的设计公司，这里不谈）。然后我们这些学设计的人就会怀疑自己为什么学了这个设计，进而考虑转行之类的。其实这里面隐藏着中国的整个行业对于设计师的不认同，不尊重。其中也包括我们对自身的不认同。所有人都认为比设计师更懂设计，所有人都在指指点点，我们完全会沦落为一个技工，和一个工厂的工人并无太大的区别。从我有限的理解来说可能是如此。毕竟我也没有在国内呆很久就来日本了，也就不再多谈。
日本为什么在各种艺术方面出大师的原因我试着思考了一下。其中第一个我想到的就是整个社会的宽容度。没人会告诉你你毕业之后需要干什么，虽然大部分还是会选择就职，但作为读艺术的我的同学们其中已经有一撮人已经明确表示了不想就职，可能有些人会觉得小屁孩儿都是理想的，以后还不是都要被现实压低腰，那我讲一些我身边的例子吧。第一个就是我们学科正在读研的一个学长sakasita，他出身北海道大学医学部，拿着年薪1000w的工资在东京的一所医院做医生现在已经30岁了。你要问我一个医生怎么成我学长了？他本人说因为原研哉老师的书，让他了解到了自己原来真正想做的是设计，就毅然跑来考了研究生，一边当医生一边读书，但毕竟医生和设计师都忙，他为了自己的设计梦，和交往了多年的女友不得已分手。前几天和他一起喝酒，说现在准备辞掉工作，接下来去瑞士深造，将来要成为一个产品设计师。还有一个今年50岁的大爷和我修同一个摄像课。还有一个已经工作了3年的普通上班族，说为了继承自己家里的特产店，又重新来读设计。还有一个学长毕业就回长野种田去了，听说种的米买的蛮好的。在日本没有人觉得奇怪，这就是我生活日常的一幕。一个社会只有多元性和宽容性，它才是一个健康的社会。我们读设计并没有人说我们以后就一定要工作，一定要进一个公司，我们的选择都是被尊重的，错了可以再来，时间过了就没有了。
第二点就在于美术教育这一块了。别的学校是怎么教学的我不太清楚。我们学校鼓励的是独特性，创造性。通过高密度的课题和评讲来间接性的，有规律的，一步步的，逼疯我们，时时刻刻像传销团体那样的高密的轰炸，提醒着我们自己艺术生的身份。教授的安排也全部都是几乎是在职的专业设计师或者艺术家。讲座和上课都像是一次次的思想洗脑，你会渐渐意识到，所谓的作品的深意，所谓的设计并不止步于做一个漂漂亮亮的作品，我们意识到一个设计师真正厉害的地方就在于能通过自己的说明来让对方真的喜欢上自己的作品。原研哉老师在进大一的第一堂课就跟我们说“presentation is design”。我们从一开始进入学校的时候，拿到课题被训练的就是从根源的问题和观察来做作品的思维，而不是为了某个漂亮结果而做设计。也不是像大多数的国内的大学一样，一进去就教ps。我当年刚进大学的第一课就是一个月做一本册子，从选题，制作，摄影，排版全部由自己完成。而然我的日本同学们大部分人连碰都没有碰过ps。 我还为自己在国内混过一年，技术上一定不输而暗自欢呼的时候，结果他们的作品令我无地自容（我们班70个人的ps有一半是我来给他们普及我会乱说吗？所有的日本人坐在一个小教室里听我这个外国人讲ps也是醉醉的，我的日语就是那时候练好的哈哈，也迅速和日本小伙伴成为了朋友）。要问为什么突然布置这么重的课题呢？估计教授觉得ps这种东西稍微学学就会了，再加上以后工作了，很多都讲是我们从来没有碰过的东西。短时间内掌握一类我们不了解的知识，对设计师来说是一门必要技能。然而一个月做册子这种小case的课题，到现在根本就不值得一提。现在大三的我们每个星期通宵两天就是日常。我的时间表基本可以在6月就排满了7月的，同学之间约吃饭基本都会具体到在下个星期某一天的某个时间段。地狱般的日子从我们进入大学一开始就持续到最后一年，我打工的地方一听说我是美大生，都过来安慰我。。或许国内的话在大一都是见不到教授的，但我开学的第一节课就是由原研哉老师来教的设计论（还记得那时候听原老师的讲课激动的要哭了好吗）。基本所有的课都由教授亲自来。所有的作品评讲都要先听我们的自我展示。点子够有趣，发现问题更独特的往往评价很高。
第三点就是设计这个领域的自豪感。整个日本是尊重艺术家，尊重设计师的。其实在原研哉还年轻的时候，也就是柳宗理、田中一光的那个时代，日本社会还不是这样的。日本战后经济高速发展带来的也是没有跟上的设计审美，柳宗理在随想录里说“我们国家现在设计如同“妓女”，只知道胭脂抹粉，迎合观众”。后来是大家也知道的那一代的伟大名字们“福田繁雄”“龟仓雄策”“田中一光”“原弘”等人的努力，成立了日宣美（「日本美术宣传协会」，虽然后来被武藏野美术大学为首的学生运动给弄垮了，后改为JAGDA 「日本平面设计师协会」）联合起来办展览办讲座，将设计带入生活，向社会发出自己的声音，经过几代设计人的努力后，才有后来现在的地位。这里插一句，其实原研哉教授在书里面提到的很多理论并不是他自己原创的，而是出自于这些大前辈们的积累，原的思想也有很大一部分是受到了向井周太郎的影响。（创立我们基础设计的教授，被我们现在的教授们称为“先生（せんせい）”的男人，日本符号学第一人）包括原老师最著名的，现在一直被模仿的“re-design”概念也不是原创的，而是出自一个展览，当时原老师是作为参展人参与的。（我爆料了这么多黑会不会被抹杀！）一般依赖主不会太过于插手设计师的工作。但另一方面，我们的教授们的严格要求也会让我时时刻刻的意识到自己离专业设计师还有多遥远。柴田老师（muji懒人沙发的设计师，接替去了多摩美术大学的深泽直人教授的班）教的产品课，光是最后的照片我们就重拍了10遍以上。还就不提日本那变态的typeface的课题了，误差都是要控制在0.01mm，老师拿着放大镜来检查，改上20遍都不算什么，你们懂那种痛吗！日本人管这叫“プロ意識"（专业精神），被专业的老师折磨了之后才感觉到自己的渺小和理想的遥远，才会让我们更加用心的深造，所以客户才会信赖设计师吧，与其说是信赖设计师不如说是信赖这个行业。
在日本的普通大学生都不会怎么搭理艺术生。因为我们的怪，就连合コン（日本的大学生之间类似于相亲的东西）都不跟我们美大生来玩儿，你们懂那种痛吗！想要来交女朋友的还是不要来日本学艺术了。而这个怪才是我们真正迈向艺术从业者的第一步。我们看世界的眼光不同，我们思想的不同，我们考虑的不同，我们生活方式的不同。这才能导致我们做出作品的独特性。大学所培养的就是这个独特性。设计与艺术一样，一旦你落入了俗套，你就失去了成为一个真正独立而长久的设计师的资格了。这就是为什么国内的设计师说什么到了50岁江郎才尽，而日本的设计师越老越牛逼，立身之根本不同。设计和艺术是一样残酷的世界，你要想做个普通人？还是不要太小看专业设计这个行业了。
作为设计师我们需要学习的是什么呢？第一就是我前面提到的独特性，你可以变的怪，你要下定决心，走这条路，你的朋友可能就会离你而去，你得和孤独相处，你会很多东西背道而驰，你不在能成为一个好好先生，我身边的日本朋友很多都有这个觉悟了，“选择了设计都是选择了自己的一生”嘛。第二就是如何倾听用户的要求，然后和自己的风格做融合的的技巧，很多人才是跟紧当下之风，跟着流行走，跟着客户走，最后一定被流行抛弃，被客户当成技工。我曾经听ted演讲的时候说了一个成功的人给讲者的一句话“成功的人是付钱请别人做自己想做的事”。我觉得一个优秀的设计师也是“让客户接受你想做的设计”，前提是你得有这个说服力和阅历。我现在已经基本上把所有的技术的微博什么的都删掉了，但并不是说我们就该抵制ps技术，我的意思是想让大家不要以技术为目标，学习还是应该学习的。最后推荐大家一些网站behance、pinterest、vimeo之类。一定要看最好最新的东西，并且自我辨别。我经常对自己说的一句话，或许你将来能成担负起中国设计的伟大的设计师，为不要让你的“平庸”毁了它，也送给所有在学设计的朋友们。日 增加内容：近来有人很好奇两年前我大一进学校到底做了什么课题，在这里我就贴一下我当时做的其中的一个课题的步骤吧，其实做的很简陋非常拿不出手。（2年前做的东西！真心请不要吐槽，最近做的在我的个人网 站 或者个人微博里面都有发，有兴趣的人可以点击看看，记得不要吐槽！我也在努力学习进步中）◆ 首先我们需要准备一些火柴和一个直径为18cm的气球◆ 接着开始制作我们就开始一个一个的把这些小棒子们粘到气球上去◆ 抱歉一下越了这么多步骤，反正弄成设计搞里的那样就愉快的喷漆◆ 然后我们互相的展示和评论对方的作品和自己的不足，不过日本妹子比较善良大都互相表扬◆ 然后我们简单的感觉下做封面怎样效果好◆ 接着我们进入摄影棚，让这些火柴们升格◆ 接着我们就可以按照设计稿来尽情的用ps和ai 其实作为两年前！大一！刚进去的第一个！课题，还是有很多的不足的，我也并不是做的最好的，仅仅作为参考。如果对我的最近作品感兴趣的人可以访问
或者添加新浪微博都可以！对日本艺术留学感兴趣的可以添加我和小伙伴一起做的公众号：微信：CA-plus 微博：CAplus（拼死拼活算是我和台湾和日本的小伙伴一起做的第一个创业项目，对日本有兴趣或者想来留学的人一定值得关注啊！马上我们的网站就要上线了啊！3月份在东京原宿也要办展了！有兴趣的朋友联系我啊！）
日本在设计方面，如建筑、平面设计、装帧、字体、工业设计等方面都很出色，也诞生了一大批设计领域的大师。细观日本的设计可以发现他们的设计注重细节，人性化的方面考虑的很全面，有一种人文色彩在其中。日本是个开放包容进取的民族，至少设计界给我的印象如此。在吸收学习西方文化的同时，把本民族的精髓融合，西方同行多会用「禅」去形容他们的设计精神，优雅、简洁、疏密把控等方面是我最为欣赏的。细读日本设计界的大师著作，能很清晰的觉察到他们的「反思」精神，如原研哉的「ReDesign」观点，把每件产品已固化已形成的形态放到一边，从最初的起点去重新审视它，才能找到新的切入点，但同时也强调设计不是「创造新产物」，在现有基础之上重新定义改良往往比创造一件新事物还要难，因为当你面对牙刷时会想它「本该如此」或「全世界的牙刷都是如此」而放弃，当回归本质时才能看到新的一面。严谨细致负责，是大多数日本设计师给我的另一个深刻的印象。日本人无论什么职业细致敬业程度是各国人都认同的。作为设计师洞察细节是最基本的职业要求，在设计工作中针对不同的人群，不同的产品，不同的定位做细致全面的调研，有时一个小细节对于普通人来说不重要甚至察觉不到，但在关键时刻它的作用却起到至关重要的作用。UNIQLO 手提电脑包上拉链和正面两处反光贴甚至不被人察觉，但当夜晚下班遇到车辆时能起到一定的提醒警示作用。内部有可放两支笔的插袋---可放至少两支笔，一个带拉链的插袋（带有一个透明窗的名片插袋）----可放细小或重要的物件，透明名片插袋专放名片也可清楚知道剩余数量，一个不带拉链的大插袋可以放长形本子或其他物件，旁边有放水杯的插袋附有弹性松紧带，这样的细致设计不再让电脑包内部杂乱方便找到需要的东西。依稀记得《知日》杂志有一篇关于日本对造物的文章，在日本人眼中，无论是你设计的，贩售的，使用的物件都是有生命的，是值得敬仰和尊重的。如果你在雕刻一件木雕，仅把它当做一项工作去进行和当做一项造物使命去进行所用的心和力是截然不同的。当面对一件工具时双方的关系是相互依赖相互合作的，只有善待工具你才能更安全更高效的去完成工作。这点以前的中国农民对耕牛、车夫对毛驴、战士对枪支都会有此情节。《Objectified》中 Dieter Rams说，日本人对盆景的修剪很讲究，他们讲究疏密，如果太密了鸟儿没法从中间飞过（不是原话）。关于留白、疏密、韵律等这些，日本的装帧设计很好的体现了这些，日本的书籍尤其是一些设计、艺术类书籍的排版、字体选择、留白都会让我对书本身加分。有种阅读的冲动，在这个纸质读物「衰落」的今天依然有如此精致用心的设计真是件幸事。不是一味的夸奖日本设计师，而是如果对方有值得学习的地方何不借鉴学习，日本设计界能有今天的「地位」也与此密不可分。中国缺少一个大环境，一个孕育人才的温床，中国从不缺人才。待补充... ...04/09补充再一次被知乎新浪微博推荐，重新进来看我回答的问题才发现，我跑题了，我回答问题时漏看了标题里的「平面」二字... ...导致回答极其偏离，对不起各位，这两天会重新回答的。
这里大牛好多，我从另一个不起眼的角度带你体验下日本牛x的平面设计吧ADC是Art Directors Club（Tokyo）的简称。该组织于日成立，旨在推进艺术的专业职能的发展。目前共有80名成员，包括原研哉、佐藤可士和、浅葉克己等设计大师。ADC组织每年都会设立奖项，作为日本平面及广告领域的权威，备受世界关注。通过21位ADC艺术家作品，对日本平面设计一探究竟！佐藤卓1979年毕业于东京艺术大学设计专业，1981年又从该校研究生毕业，1984年成立佐藤卓设计事务所。青木克憲1965年出生于东京，1999年成立了butterfly stroke株式会社。青木克憲喜欢从纸机器人展开他在设计上的尝试。简化思考复杂的事物，深思简化思考的部分，清楚呈现深思的结果，认真将呈现的结果传达给别人。原研哉2001年起原研哉担任MUJI的艺术监制，除了广告活动为首的交流的设计外，还负责综合的视觉形象制作。“简朴，有时会超越豪华的”——他一直携带着创业当初的这个想法。佐藤可士和1989年毕业于多摩艺术大学，毕业后进入日本知名广告公司“博报堂”，被誉为“能够带动销售的设计魔术师”。孩童般的笔触描绘充满简单的现代感，塑造了无数的街头流行符号平野敬子在她的观念中，使用体验被过度包装反而成了形式主义的衍生物，失去了物品本身带给生活的原始意义。所以，她的设计更关注本源，静谧明快，将礼仪和节制的观念带入设计中。浅葉克己浅叶克己创作了大量的平面设计作品，而字体设计方面尤为表现突出。他将亚洲文字作为他毕生的研究对象，在他眼里文字有着不一样的美。植原亮輔1997年毕业于日本多摩美术学院平面设计系。温暖的颜色配上简约的线条，看似简单，却透露着包罗万象的美感。奥村靫正奥村靫正,于一九四七年出生于日本爱知省，一九六八年毕业于桑泽设计研究学院。善用视觉冲击，色彩对比中包含日本现在设计中的摩登感。胜井三雄胜井三雄是日本当代最具代表性的设计大师之一，他早在 1958年刚刚走出大学校门时就预言：“将来的设计师可以不用笔来画设计”。胜井充分利用了电子技术并有机的渗透到他的设计表现之中，借助形态，图象构成以及蒙太奇加工等特有手段，使时间和空间上本来相互无缘的要素彼此交锋，由此产生新的时间和空间。新村則人他认为，有些年轻的设计师会苦于没有灵感，其实只要平时注意从身边找到自己喜欢的东西就行了，只要你对其产生热爱，在设计中就会很容易找到契合点，并设计出只属于自己的东西。属于自己的好的创意，往往能填补技法水平不高的劣势。中岛英树1961年出生的中岛英树，是日本平面设计领域最为知名的设计师之一，其祖父是日本皇室的裁缝。他的设计风格深受西方平面设计、尤其是英国设计的影响，同时具有日本特色的简约主义风格。永井一正【线】-【线性结构】-【结构】-【线】的循环透过日本传统艺术的洗礼，所呈现的结构平面化、角色虚拟化、意象丰富化，引领我们走入迥异的奇特世界。服部一成好的平面设计师总能突破规则的限制，在意想不到的地方让人感到平面以外的深度与广度，服部一成就是这样一位平面设计师，他的设计有对图像、文字的自由处理，他对字体的独特感觉也让人过目不忘，2011年，他在获得每日设计奖时被评价为“开拓了新的表现方式”。松永真松永真1940年出生于东京,1964年毕业于东京帝国艺术大学设计专业。随后进资生堂广告部工作,1971年设立松永真设计事务所。松永真先生身处高速发达消费市场的设计前沿，时时面对无处不在的奢侈豪华、浮华夸张的消费品牌。事实上当代就是一个浪费型的消费，对物质的欲望没有节制。但松永真的“半径三米”设计理念，却在真实普通的日常生活中形成，传递的信息是朴质和节制。
我是做会展活动出来的，日本为什么厉害已经有很多人说过了，我说说国内的很多设计为什么不行！1、依然不懂什么是创意！2、大多数不算设计师，而是软件操作工！3、除了设计师以外的每个人都是设计总监，不停的在告诉设计师你的想法不行，我的才对！完全不懂得尊重设计师的创意！综上所述，你觉得比得上别人么？
（本答案可能会引起您的部分不适，请谨慎阅读。）日本的文化崇尚原型。原型即为纯粹的几何形体。古神道教信奉日照大神。无论日照大神如何人形化，太阳的几何圆形成为了最纯粹的原始符号。以至于形成了对于几何形式的信仰。从天皇的日月纹式就已经确定了这一点，灰色的为月纹，白色的为日纹。而更为人所知的则是从天皇的日月纹式就已经确定了这一点，灰色的为月纹，白色的为日纹。而更为人所知的则是即菊纹旗和日章旗。日章旗当然更为我们所熟悉。天皇定下了几何装饰基调。列位武家和公家们则基于这个形式开发设计出了大量基于几何元素的家纹。江户时期的学者新井白石考证日本家纹起源自院政时代到镰仓时代，而后流行于武家社会。至于日章旗是否来源于那位气坏我们炀帝的圣德太子和小野妹子则不可考。（图片来源于网络）（图片来源于网络）合戦場を埋め尽くす家紋入りの幟合戦場を埋め尽くす家紋入りの幟于是战国时一场大战几乎成为了贵族们的几何原型平面设计竞赛，将军们大名们在帷帐，旗帜和载具上大量绘制这些标志身份的平面设计图形。而到了近代明治维新后，对天皇的再次推崇使得日章旗再次受到重视，于是平面设计大师们进行了日章旗的二次创造。这面是海军旗。空军因为算海军航空兵所以没有空军旗。（当下海军自卫队还是用的这个旗帜）这面是海军旗。空军因为算海军航空兵所以没有空军旗。（当下海军自卫队还是用的这个旗帜）这面是陆军联队旗。（这面旗帜战败后就不让用了）这面是陆军联队旗。（这面旗帜战败后就不让用了）台湾战中的陆军旗。日清战争中的陆军旗。不过这幅画中的陆军旗画错了，应该是16条光芒，不过在此图的右下角能看到收缴的清国军旗，即物化的龙旗。日清战争中的陆军旗。不过这幅画中的陆军旗画错了，应该是16条光芒，不过在此图的右下角能看到收缴的清国军旗，即物化的龙旗。其实写到这里并没有说具象化的设计和几何化设计的优劣，而在于西方的传统美学，经过野兽派，印象派的洗礼，加上马列维奇，蒙得里安和康定斯基的现代抽象主义设计美学的渲染后，几何化的设计受到了推崇。我们看看这些西方抽象主义都画了些什么。这是马列维奇的作品《白色上的紅色方块》这是马列维奇的作品《白色上的紅色方块》这是蒙得里安的作品。这是蒙得里安的作品。这是康定斯基的作品。这是康定斯基的作品。简要概况一下就是注重简约的几何形体。可以说这些包豪斯风格的大师们将现代的美学定义成了简单的几何形式，。简约成为了新的时尚，日本的平面设计搭上了顺风车。所以说并不是日本的设计水平高，而是抽象化的设计成为了现代平面艺术界所推崇的风格，而日本恰恰在这方面有了所谓自古以来的“训练”，所以受到推崇也并不为过。而过于具象化的设计则逐渐变成了等而下的设计。～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～～不过近年来日本设计的风格有些固化，一些设计元素被一而再，再而三的运用，反而让人产生了简约的审美疲劳。略举几例。东京奥运会的标志设计，抽象出来就是日本国旗与菊纹金色的组合。东京奥运会的标志设计，抽象出来就是日本国旗与菊纹金色的组合。红色与白色的组合运用让湘北队几乎成为了日本的化身。好吧我又用了井上大师的作品集，对日月纹的运用。好吧我又用了井上大师的作品集，对日月纹的运用。这是日本设计师设计的2008北京奥运会标志，可以对比一下日本的菊纹旗。元素是一样的。这是日本设计师设计的2008北京奥运会标志，可以对比一下日本的菊纹旗。元素是一样的。2011日本世界体操会，这个红圈要被玩坏了。2011日本世界体操会，这个红圈要被玩坏了。已经刚刚结束的2014世乒赛。已经刚刚结束的2014世乒赛。还有神奇的大连银行，这个不是日本人设计的。与中国文化不同，中国文化尚天，天是无形的，太阳则成为了后羿箭下调皮的孩子一样的意象。中国人崇尚姓氏与具象崇拜，于是便出现了大量的姓氏旗与国名旗。当然肯定是不会出现这面旗帜就是了。当然肯定是不会出现这面旗帜就是了。我已经写偏了，先写到这里吧。
1) 他們有正確的設計教育：設計是藝術的一部份，但設計有本身更大的使命：小至解決微小生活問題，大至解決社會問題，小至字體，大至建築設計，在日本一樣得到體現。反觀中國，設計獎在國外拿得多了，但路牌一樣爛，字體一樣差，基建更加不用說。反映了甚麼呢？台灣也是類似，香港若果沒有英國早年的關照也會落得和內地台灣一樣的情況，看近十幾年回歸後每況愈下可見一斑。2) 資訊流通：長期與國外競爭，質素自然會高。國內除了政府外，人太多、社會結構複雜也阻礙了國人接觸資訊，因為有太強的本土意識，阻礙了與外國交流，欠缺衝擊下設計也就不如人。3) 民族性：「事做到最好」是他們的基本認知，對他們來說，事做得不好就過不了知己一關－而每個人都盡力之下，設計那會做不好？4) 資源貧乏：日本無論地、自然資源也十分貧乏，不能侵略外國的情況下，設計就也是最能幫助他們省資源的方法，因此他們的企業也很樂於投資設計去幫助減低資源消耗，也有助令產品更加盡善盡美。5) 人民文化水平高：設計屬於人類文化提升至一定水平後才產生的「奢侈品」，在文化水平高的地方才會得到尊重。在一個無論民族性、生存環境、客觀環境、基礎教育、人民文化水平高都十分有理設計發展的地方，設計水平怎會低？同一道理可以應用在西歐地方。日本设计师的极简主义设计，是否和日本民族的高密度生活状态有直接联系？在另一個類似的問題上發表了，可以再參考看。
作为一个平面设计的初学者，看到这个问题便来怒答一下哈哈。写到哪里算哪里，还请各位前辈多多指点。先说下自己能想到的几点：受到了正确的教育，前人栽树后人乘凉。真正喜欢设计的人在做设计。社会的文明程度高，透明度高，包容度高，尊重设计。做事态度让人折服。岛国物资缺乏下的爆发，设计是改变命运非常重要的手段。体制的相对完善！！！成就创作类职业良性发展。虽然不能代表全部，但这些一定是日本平面设计高水准的原因所在。这里边很多人都提到了，我就抽几个说说。日本平面设计的发展简直可以称作一部励志传来形容，看得让人热血沸腾。在无数人前仆后继的努力下，把日本的设计提到了今天的高度。这一刻，在我的脑海里闪过了他们的动漫，建筑，足球……==================================================================第一章真正的前人栽树后人乘凉。我们就先看看它是如何发展起来的吧！！！话不多说，先上图。两条线：从事件角度、从人物角度。清晰透彻一目了然。两条线：从事件角度、从人物角度。清晰透彻一目了然。第一条线：从事件时间线可以知道每个事件线对于日本平面设计发展都有重要的影响。第二条线：没错，日本平面设计的发展其实和日本声优一样，设计师被放到前台来，给予了很高的尊重。而我们呢，在生活中，我们经常看到很多设计，却很难知道是谁设计的，显然我们设计师的社会地位并不重要……如今的设计师们能取得这样的高度都是把前人设计师对于设计的理解、经验「偷学」过来，成为自己的东西。比如当年原研哉先生也在石冈瑛子手下学过，他自述石冈瑛子的严厉及设计给了他很大帮助。前人设计师也乐于奉献，留给了后人大量宝贵的财富。比如佐藤敬之辅先生。因接触了西文印刷字体而开始对日文字体进行了科学深入的研究，给日本字体界带来了坚实的基础。熟悉日本平面设计界中的日本タイポグラフィ協会（日本字体排印设计协会）一定知道其中有个就叫做佐藤敬之辅赏，被单独作为一个奖项以颁给这一年为字体排印做出优秀设计的人，足以看到他的历史地位与影响力。关于他的著作比较有名的是《英字设计》和日文字体设计系列丛书1-5，2本平假名1本片假名2本汉字。详细的可以看陈嵘老师的帖子和
这边的书。佐藤敬之辅先生最有名的学生就是浅叶克己先生了，在浅叶克己去 Light Publicity（日本首家广告公司，图谱可见）前，在佐藤老师这里写了3年的字，他开玩笑的说过那是与世隔绝的世界……同样，又比如在平面设计界不得不提的一个人就是被称之为日本现代设计之父的设计大师，龟仓雄策先生。（图谱中在日本工房下方）他可以说是真正将日本平面设计走上国际轨道、被世界所认识的第一人。对于后人的影响是革命性的。为什么这样说，因为他将包豪斯的设计思想带给了日本平面设计界，反馈给了世界。日本设计第一次脱离于图案，来到了构成新时代。（怎么有种路飞进入了伟大航路的新世界，突然有种热血沸腾的赶脚= =b）脱离于日本传统的纹样图案走向全新领域意味着它与传统艺术将形成一条平行线，走自己的道路。当时，龟仓雄策先生反对依靠「异国情调」也就是传统的设计方法来表现作品。怎么理解呢？打个比方，中国的设计师为了体现自己民族的设计，而加入了中国风的水墨元素，或者这个设计师只会用水墨做文章。其实外国人是不懂这其中的意义，最多也就不明觉厉。这样是没办法让世界认可的，仗着民族差别做「民族设计」，到头来只是自娱自乐而已。要让世界知道你，你一定要做出世界性的作品。「我认为视觉传达设计不但是全人类共同的语言，而且必定要这样才对。所以能够获得世界公民摒弃民族隔阂并坦率认同的，才称得上优秀的编排设计艺术。」我擦，龟仓先生，需不需要说那么热血的话啊！「因此，日本的平面设计要先完成达到世界水平的基础，并且在那之上，才会产生出留着日本人血液的表现。传统不单单是图样或者技术，它应该被提升到精神层次而存在。」——摘录出自国际编排设计研讨会，先生的演讲。那时候估计是日本第一张纯文字构成的海报诞生了，是先生做的nikon SP（1957年）相机海报。这张海报当时被 Will Burtin（德国最杰出的的设计家之一，毕业于包豪斯学院，移民到了美国，对美国的平面设计发展有着重要的贡献）看中，世界便认识了龟仓雄策。当然，他对后人的影响主要包括了：招人一起举办各类平面设计展用视觉「看」来传达给群众信息（战后有许多文盲不识字，只能用图形照片方式传达），比如战后宣传和平的海报展等。参加世界上各种设计研讨会传播日本人对于设计的理解，用自己的作品与世界交流。成立了日本宣传美术协会，日本设计中心。设计1964年的奥运会海报等。同时，把平面设计作为一项综合专业，涉及到和客户之间关系。日本在50年前意识到了设计不光是设计师的设计水平，同时与客户之间的交流也是一大要素。首先，企业家是不懂不知道国际美感的水准是怎么样的。这需要设计师一边指导企业家一边做设计的，但当时设计师又有多少能和企业家平起平坐讨论设计呢？（咦，
这……是什么既视感）在认为设计师地位低于企业家后，设计师们都认为自己依照要求来设计就可以了……然而先生说不，设计师理应需要在和企业家平等的地位才
能设计出真正本质的东西，解决真正的问题。这时候他想到了个很棒的方法就是成立设计中心，让设计中心与企业家交流，委派设计师帮助企业家。设计中心拥有足够高的社会地位和人脉很多的设计前辈，企业家也会听取他们的意见，使得设计能顺利进行。日本平面设计师组成的JAGDA协会中也有龟仓雄策赏，原理同佐藤敬之辅赏。这里还要再提下就是包豪斯。不知道中国有多少平面设计师看过包豪斯理论、精神、方法的，它是现代设计的基石。可能大家对包豪斯三个字比较熟，里面究竟讲什么比较陌生，那我提到由日本人通过自己的理解把它改良成三大构成（平面构成、立体构成、色彩构成）是不是似乎就能一下子明白点了呢？但我们真的学好了「三大构成」吗？我们的设计师有多少能用点线面理念在做设计的？并且能说出其中原理的有多少？日本在20-30年代受到了包豪斯运动的影响，有留学的，也有在本地开展教学的「新建筑工艺学院」，虽然当时对这种新兴学校感兴趣的人不多，但龟仓雄策先生毅然去到那里接受了学习，在川喜田老师的教导下，大致知道了包豪斯的精神与设计方法。那是什么如此让他坚定去学包豪斯课程呢？原因是他19岁在旧书店淘到了一本包豪斯的画册= =被彻底迷住了。我们能想象在当时信息不发达的年代，包豪斯里的工业设计平面设计对日本来说就是未来产物，试想你马路上捡到了一个超级萌的人工智能少女，你会不会当成宝= =b（小叽？）其实就是这么一回事。当时在包豪斯任教的包括康定斯基、保罗克利、罗伯特拜耶等他们的思想构成了现代平面设计的基础，有兴趣的朋友可以搭配他们的教学书籍和日本编写的如朝仓直巳所写的三大构成等进行学习，然后会发现和国内的大多数教材教的完全两码事……这时我心中有千万匹草泥马奔了过去，坑爹呢这是，我们平面设计真的学过？以上两例是我觉得比较有代表性的，当然还有很多设计师如平面设计领域的天才福田繁雄、田中一光到如今的原研哉（在武藏野教平面设计），以前在博报堂系的佐藤可士和（火得不得了），资生堂系的佐藤晃一（现在在多摩教平面设计，明年退休了），西文字体的小林章等等都身体力行地传授经验给下一代。还有各类书籍杂志像瀑布一样向你袭来，在这样的环境中你不想乘凉也难……第一章完======================================================================以上先写那么多，休息去了。拒绝任何形式的转载，谢谢。待续……
平面设计水平高不是平面设计本身所致，是综合条件的结果，包括发达成熟的商业社会，大众消费习惯，文化传承，社会文化氛围，民主以及从业者的职业精神等等等等。
以上说的很好，我补充两点：1、知识产权受到法律保护。我国并不缺乏这方面的法律，但是执行情况大家都有感受。设计师是一个培养周期很长的工作，如果产出不受保护，维权太难，理性人不会去跳这个坑。同时， 业主（客户）的审美成熟度较低，想象力有限（草图不行一定要看到电脑效果图）导致对设计师的选择不专业，并总是幻想用低廉的价格获取优质的设计服务，任意压缩设计周期，讨论无逻辑，执行过程走样，甚至鼓励抄袭。
最后就导致我们的设计原创成分和整体水平比较低。2、日本的文化传统很讲究传承。一代代人努力下来的美学成就，十年间几乎灰飞烟灭，这种灾难世间少有。国内的很多古寺庙，根本就是八九十年代重新建的，是不是符合原貌，没多少人能说清楚。有多次见到正在修整的寺庙工程，听到噼里啪啦的气枪钉的声音。按中国古代木构建筑和木家具做法工艺来说都是榫卯结构，如果是严格的复原工程，很少用钉子，更不会用气枪钉。去日本京都也看过很多寺庙，虽然木质部分有的表面有风化的痕迹，但还是榫卯结构，很美。除了传统文化的传承，还有师承。对普列茨克奖的日本籍建筑师做过背景的了解，在
每个获奖者都有本人独特的创新和视角的背后，能发现师承脉络十分清晰有序。这并不是想赞美“和谐”，因为会读到一些当代活跃设计师批判前辈的书籍，比如《负建筑》，但观点和论证都能就事论事，前后一致。而且论证中所引用的例证，部分也来自作者对所崇尚的设计前辈理念的认真解读。就批判本身而言，并不带攻击性，而是能感受到对批判对象的尊重和开放式的设问。这种讨论，在我国并不多见。__________________________再加一点3、前面也有知友提到设计的职业教育，我想说下成长环境的影响。审美观是应该和价值观一致的，很难想象广场舞大妈没事惹事有事怕事的老爸整天没事就搓麻的家庭的子女会成长为优雅节制（日本设计的特点）的设计师。都说贵族需要三代，设计素养也差不多。记得实地考察贝聿铭设计的美秀美术馆时了解到，创始人（业主）小山美秀子女士（企业家）是为了热爱艺术的母亲建造了这个美术馆，这其实也是一种分享和回报社会，按心理学的需求层次理论来说，这个行为属于自我实现，审美实现的最高层次。这就会导致她在选择设计师的过程中，会偏重什么。目前来说，国内家长普遍也很重视对孩子的“素质”教育，但从发展心理学的科学角度来说，孩子最应该从日常生活和玩中获得潜移默化的审美熏陶和体验上的满足，从自身内在需求出发去掌握技能。而不是被培养为各种技能操作工，后者当然更容易被量化为指标去做各种攀比，但也更容易对机械化的操作产生厌烦。从学校教育来说，从小学会写说谎作文的孩子，更容易去追求浮夸奢华，对个性化也有很多误解，很难成长为对人性需求诚实的设计师。
因为设计得到尊重。
从小就注重这方面教育，举个例子。日本NHK电视台的一档针对小朋友的设计教育系列节目《Design あ》，带着“设计的心态，每个人都必需要有”观点的著名设计师佐藤卓（Taku Satoh）担任的艺术总监。《Design あ》其中的”あ”，是日文中的第一个音之外，也用以描述人们在了解某件事情的始末之后，发出的轻叹。(虽然是幼教片，但是里面的内容和思考的问题都非常有意思，每集都邀请一位日本设计界大神)观看地址：
诶？我一直以为是日本的甲方脾气好。。。
我不是平面设计工作者 曰，但是作为在日工设狗还是发表下个人看法。其实日本的美学以及设计观点，更多的是“死”。相比于满园盛开的樱花，日本人更喜欢的是落英缤纷的死亡之美，这种岛国独有的美学观点，融合了中国的禅学玄学，催生了日本的一大部分设计来源。黑川雅之有一本书叫做，「日本の八つ美意識」，这里面提出了日本美意识中的“微、并、气、间、秘、素、假、破”这几个理论。这个东西看起来玄，其实说得直白一点，无非就是岛国的狭小结合了玄学禅学的思辨，搞出的一套很矛盾的理论，有人说日本人活在艺术中，而于我更多的感受是，日本是一个用艺术伪装野蛮的民族，他们永远活在绝对精神和本身欲望的思辨之中，强硬的调和起来，造就了独特的日本精神和日本审美。而这一切催生出来的日本审美核心就是日本人自己说的“詫び寂び”（wabisabi），换句话说就是——敬畏以及沉寂。日本多灾的自然造成了他们的敬畏，日本对于佛道的追求，造成了无视命运无常的沉寂。图
京都龙安寺枯山水图
京都龙安寺枯山水我们可以看出，不同于江南庭院的自然，以及欧洲庭院的精心雕琢。日本的庭院让你感觉到的是一种“死寂”的状态，这是一种极力去调节生之欲望的玄物，用白色的石子做出的“波纹”和岩石青苔带你“入定”。日本的设计总是带着点残缺，带着点隐忍，带着点不明所以。所以在这种思维引导下的日本美意识，也就造就了所谓花道茶道等，说实话这种东西在中国是配不上被称作“道”的，中国的道是一种极其具有世界本源性的思辨，我们可以说屎尿里有”道“，但是不能说有屎道尿道。但是日本人却认为万物都可以总结出一种道，而这种道只不过是将精神和实体压缩出来的东西。所以才有了——一期一会这种思想，事物转瞬即逝，不如一期一会。所以这样思想造就的日本美学，也是如此，比如日本战国时代的家纹。图
日本大名家纹图
日本大名家纹图
战国家纹图
战国家纹可以看出来，日本自古就可以把物质抽象的极好，这和他们的“死寂”“万物有道”是分不开的，明明是活泼的世间万物，日本人却可以很快的找出一个物质的抽象表现，这东西立刻就凝固了。而此时的东方还在“意象”中徘徊，西方还奔走在“具象”和“抽象”之间。而日本人对于事物的平面化也因为这个有了独到的见解，因为非常的善于在事物中寻找“道”，所以对于颜色的分析以及形态的把握也达到了一定的高度。比如葛饰北斋的浮世绘系列。图
神奈川冲浪里（葛饰北斋）图
神奈川冲浪里（葛饰北斋）当时日本脱亚入欧风正盛行，所以好多浮世绘就被塞到瓷瓶子里当成填充物出口到欧洲，欧洲人一看我勒个去这艺术品够牛啊。于是就有了深受浮世绘影响的印象派和后印象派。图
梵高的星空
可以和上面那张浮世绘对比下图
梵高的星空
可以和上面那张浮世绘对比下所以等到工业革命之后，西方的艺术逐渐进入了以毕加索的立体主义，甚至达利的超现实主义为引导的时代的时候，日本的这种东西倒和整个的艺术潮流不谋而合了。并且由于包豪斯的革命，将工业生产和审美结合，而这其中最需要的就是尽量抽取最自然界物质的美感，尽可能的令结构简单以方便工业制品的生产，那这一点可是日本人最擅长的东西没有之一了，所以这批包豪斯回来的人在日本掀起的工业设计革命，也就遥遥的走在了亚洲其他国家的前面。图
柳宗理的椅子设计，包括这图片的留白，都代表着那种敬畏和寂静的残缺这里面说的是平面设计，所以我就不说工业设计的东西了，但是这其中也是息息相关的，比如大家熟知的，1964东京奥运会的会徽。图
1964奥运会会徽图
1964奥运会会徽这种也能看出来和那些战国的家纹有异曲同工之妙，日本人的设计往往只是需要把握住最该把握住的东西就好。那么之后出现原研哉这样的人就不足为奇了。詫び　　　　寂しい以上
1，国家注重文化产业的发展。2，发达的社会经济提供给文化产业大量给养。3，细致，是日本的国民气质。4，设计师制约较少。5，设计师能活下去。
如果想弄清楚这个问题，不如先把自己站到日本人的队伍里面：日本国小而常年战乱，资源贫乏，地震多发，哪一件都是要命的事儿。这造就了日本文化里面对于死亡与极致的玩味和追求，日本的茶道讲的是一期一会，一辈子喝这一口茶，够了。日本的俳句是一句对仗的，不多。没想着流传下去，因为死亡的恐惧始终都在。同时，日本人的思维追求极致，因为极致就无限逼近着死亡。有个词叫“匠气”，在日本是个褒义词，跟夸印度人抠门儿是一个效果，天大的赞誉。但在咱们这儿是个贬义词。对咱们来说，一生所代表的时间长度，比日本人要长太多。反之，花十几年的时间把一件事干好，已经是不错的人生了。这种匠气渗透在日本的各行各业。1L所言：日本人无论什么职业细致敬业程度是各国人都认同的。作为设计师洞察细节是最基本的职业要求是极有道理的。
求教，日本平面设计很强吗？我不了解他们平面设计强不强，但日本的网站和 app 设计绝对能把你丑哭，审美之不正常是业界公认的。就这么说吧，Google 上随便一搜，对日本网站设计的吐槽丝毫不比对中国网站设计的吐槽少。你们感受下。我接触过的一些日本 app 团队，有些还是在日本应用商店上过榜的应用。大家工作态度很认真，但那种认真，虽然匠心的成分是有的，但我个人感觉更像是一种谨小慎微，怕承担责任，怕因为自己而给整个团队带来麻烦的那种认真。简单来说，认真的目的是避免犯错（以免被主公要求切腹），而不是追求完美。No offense，只是感觉知乎一提起日本和德国，大家脑补成分有点多呀。。。
说说自己周围人对设计人的态度。我是学平面设计毕业的，工作在某国企，岗位跟设计毫不相干。按理说，我进宣传部的话比较能发挥自己的专业能力，可惜这样的岗位都是给了那些有背景的MM。而这些领导呢，遇到需要设计的东西，又来要求我做，还要我利用休息时间无偿做设计！还说：＂我其实是很有审美水平的，我只是不会用软件。＂而且，我的直接领导每次都催得很急，巴不得一个设计一天就做好交给他，然后他又拿着我的设计跑到他的上级那里献媚：＂看，我在您要求的时间里提前做好了噢！＂末了，顶多夸你一句：＂XX你很不错，是我部门的优秀员工！＂仅此而已，晋升什么的依旧轮不到你，呵呵。
我只知道中国的设计是被“山寨”文化给毁了的。自主设计耗时又费力，还不一定符合大众口味，不如什么设计好卖我就抄什么，即使抄不全，我买的比你便宜，更有市场。抄出来的东西哪有什么灵魂啊，还不是随便做做，骗一个人算一个人。
声明：本文转载，图文侵删。关于日本禅和日本设计，我们都想错了 | We Were Wrong about Japanese Zen and Design日本人其实对禅没有什么概念，禅这个东西可能是日本国以外的人强加给他的。在日本人的生活中，没有那么多人天天在说禅，即便是曹洞宗的和尚也没有天天说禅的。因为所有的这一切，简洁、干净是日本的根本，所有的东西一简洁、一根本之后，他就能够套到很多的道理里面去。禅是佛教所有派系里最特别的，它不利用文字，它是瞬间的很简单很直接的东西，你明白了就明白了，大家斗的是快速反应，但现在对禅理解的误区就在于，觉得画得少一点，写得空灵一点，布置得简单一点，留白多一点，那就是禅。那是两回事儿。其实日本的花道、茶道也好，剑道和香道也好，它的简单、简洁不是禅，是生死。比方说剑道，无论是上中下哪一段起手，它讲的都是不要浪费，要最快出击，而且它不是说击倒就完了，而是不是你死就是我亡。日本的花道也是，不像在中国，一插花，就看你拿的是什么花，他拿的是什么花，日本人比的不是这个东西。茶道更是如此。现在国内大家都玩岩茶，因为岩茶经过火焙，工序多，那中间的说法就会很多，普洱就更加讲究，完全属于喝年资，就是说你这一代做的普洱你自己是喝不到的，可能要到你的孙子那一辈才能喝到。归根到底，都需要有资源，你才能压得起、积得起，才玩得起。但日本没有那么多资源，它几乎都是山地，越往内陆走越穷，到现在都是这样。因此日本人没有多余的东西可以来浪费，他必须精致地来做。这种环境影响了日本人的思维方式，最后又变成了他们的习惯，这个是最重要的。很多人说，日本的这个是中国的，那个也是中国的，这个说法其实挺可笑的。它是中国的，但你必须加上“曾经”这两个字，而这个“曾经”你是找不回来的，为什么？因为你没有办法让它变成你的习惯，你更没有办法让它瞬间变成你的思维模式，最后你找回来的只是一个形式，就是一个古董。这些东西在日本还留着，但代代相传之后，它的体系跟中国已经没有关系了，所以它从根本上来说是不一样的，它所体现出来的是浪费不起，因为浪费不起，它就做得很干净。中国汉代的家具很简洁，而且有劲，那是基于它的料足，到了明代，料也是很讲究的。但你看日本，它又没有那么大的料，进口又进口不起，运又运不回来，那怎么办呢？所以唐宋之后，他们也要找他们自己的东西，这个时候，出来了一个代表人物，就是千利休。千利休的文化不是简单的禅文化，千利休是武士，而那个时代日本是没有什么文人茶的，都是武士茶，因为它要影响的是领主。对于领主来说，他最重要的就是开疆辟土、保家卫国，而且在冷兵器时代的战争，不是你死，就是我亡，每一次出去，你都不知道自己回不回得来。所以将军幕府要让自己时时刻刻保持冷静，在这一点上，他那些将士是帮不了他的，那就由茶人让他冷静下来。这才是那个时代的茶的根本。所以你看千利休的茶室，只有两叠榻榻米那么大，两个人面对面坐着，喝茶。人们在有距离的时候才能放松，而千家茶就是不让你放松，反而要让你极度紧张，因为它要的是对峙，两个人在如此近距离的对峙下，你还能保持冷静，能够非常有序地把一套仪式化的程序保持下来，那就是你的本事。千家茶的根本在这里。当然，天下太平之后，茶道就出现了流派，就演化出了不同的游戏规则，但是，决生死这一点，到现在还是一样的，不管是里千家、表千家还是武者小路千家，都看你能不能很冷静地把那一套程序演练完。从这一点去看，你看建筑师安藤忠雄，他不是武士吧？但是他的设计最后所追求的那种利落的感觉，跟刀口又有什么区别呢？安藤也好，隈研吾也好，老一辈的丹下健三也好，其实是没有区别的，只不过是呈现手法上有区别而已。又例如服装，老一辈的三宅一生，他的边线的处理极其利落；山本耀司看起来够繁复了吧？但你看他的整体利不利落？一样利落，他用黑色把所有的繁复的细节和变化都统一了；川久保玲也是一样，都是同一个道理。再比如国人最熟悉的无印良品，它也不是禅，跟禅没有任何关系，它其实是整理，整理到最中性。从广告的角度来说，它非常注重材料的干净，但它真正追求的其实是整理和秩序，只有靠这两点，它才能把商品卖到全世界去，因为它已经把所有的装饰的成分减到最小，它不需要那些极具故事性的装饰，它的哲学是，当你把装饰去掉，还原它的原型的时候，那么东边的东西就可以拿到西边卖，西边的东西也可以拿到东边来卖。所以这样一条线捋下来之后，你就会发现，日本的禅是功能性的，而中国的禅是趣味性的，这两者不是一回事情。禅这个问题在过去十几年中不断被问及，但在中国谈论这个问题的几率远远高于在日本，日本人就很奇怪，比如原研哉和深泽直人，说为什么我一到中国，大家就要问我跟禅有什么关系。对他们来说，这就是一种习惯，但中国这边因为有这样一个传统，所以他需要找到一个点去看日本。其实原研哉的白是继承他的老师、武藏野美术学校得向井周太郎，后者整理了一整套形式上以白为理论基础的体系，原研哉继承了这个，更通俗地把这个白说出来了。你看日本的白色的樟子门，纤细的木条，白色的纸，你打开就是一个世界，关上就是两个世界，中国人会觉得非常神奇或者好玩，但日本人的生活就是这样的。禅宗是什么呢？其实就是立地成佛，就是一针见血，它是减到底，那么，减到底之后，你放到哪里都是一样的，比如说你把北欧的家具和工业设计拿出来，你会觉得它比日本禅得更彻底。所以禅最要紧的就是你跟根本原理之间的距离有多远。从另外一个角度讲，禅又是非常中国的，它在印度产生不了，因为太虔诚的地方是产生不了禅的；而在中国，它是逃跑保命的哲学，例如打坐，我坐不了那么长时间，那就不坐；但是日本又不一样，它是宁为玉碎不为瓦全，你去看日本的国花就很清楚——一年365天，樱花的花期就一周时间，就是说360天你都在等待，然后有五天，樱花全开，然后“哗”一下全部掉没，你是看不到樱花败在树上的。中国呢？你看牡丹花，慢慢地长，慢慢地谢，从最好看到最不好看的阶段，你都要去欣赏它，这跟日本完全是不同的两个思维体系下的东西。那回过头来说，中国和日本的禅都是禅，只是方向不一样，手法不一样，所以说，禅是无形的，它没有一定之规。说到这儿，似乎可以结束了。但如果非要接下去，那我们也可以说，禅其实也是有形的。它体现出来的是干净、利落、明快、清新，体现的是思维的完整、体系化。你把日本的设计和北欧的设计放在一起，同样干净利落，为什么依然能分清，就是因为日本在干净利落得形式中，还有抒情的成分，而北欧是无情的、禁欲的，它的家具完全是从功能出发、流水操作，没有抒情的，但日本不是，日本是家族作业，在选料和制作的过程中，会有他的趣味在里面。我们可以说，万物皆禅，日本人也在很努力地接近材料的本质和功能的本质。所以，日本设计的极致，跟万物有灵论关系不大，主要就是因为可选择的材料太少，他浪费不起，因此必须在有限的材料里做到极致。在平面设计上还不明显，一到建筑和家具设计，成本控制就显得非常要紧，所以就导致很多设计师用不了好材料，拿不到好材料，最后只能尽量用身边的材料。而且，当我们说日本的极简主义的时候，它跟北欧的极简也不是完全一样的，只能说它们是暗合，就是当你用这样一条思路去做设计的时候，做出来的就是极简的。所以日本的设计乃至整个美学观念，反倒可以用唯物主义的观点去看。你看三宅一生就是这样，他是日本时装设计圈里对材料开发最厉害的一个人，对隈研吾等建筑设计师的影响都很大，他认为材料不是远处求的，而是你身边就能得到的，所以隈研吾也不会像安藤忠雄那样，你不给我76号标号的水泥我就不给你干了，隈研吾的东西五花八门的，不是说他刻意这么做，而是说他就地取材，因地制宜，这是隈研吾最大的禅意。我觉得任何人都可以说自己是禅，关键看你是不是能自圆其说。日本和北欧都能把自己说圆，中国不行。原研哉牛X的地方在哪儿？他的设计在日本至今也不是一流的，或者说不是一流里面最好的，但他的理论体系是最完整的，就像一个容器，什么东西我都能往里装，那你就没法攻击它。和尚为什么坐在那儿嗡嗡嗡嗡地说？原因就是让你成为我的粉丝，我给你洗脑，怎么洗？你逻辑上首尾相连，人家找不到破绽，就觉得你说得真有道理。佛教也好，道教也好，那都是空手套的爷，是皮包公司的爷。至于哪些日本设计师算是好的设计师？这个问题太大，无从说起。但那些活跃在一线，理论上又能首尾相连的，我的书里提到的那几位，像三宅一生、隈研吾、深泽直人、原研哉、佐藤可士和，都好。安藤忠雄也是好设计师，但我在选择隈研吾的时候就注定敌对了安藤忠雄，他们在和自然的关系、呈现方法上有着根本的不同。不过，站在安藤的角度看，他的作品还是很优秀的。至于矶崎新，他的作品远不如他的理论，他是日本很少有的能做宏大构架的建筑理论的建筑师。日本设计在国际上地位这么特别，跟它的体系清晰、风格明确有关，也跟他们的教育有关。比如说干净，我们说起来很容易，但干净其实很难的，保持干净清洁真的近似一种修养，但是日本人，尤其是老一辈日本人，他会给自己一个规范，例如知道自己要七点钟出门，他可能五点半就起床了，收拾清理榻榻米，打扫房间，整理衣服，等等，这种自律和自我约束最后影响到日本的方方面面，包括设计，那这些东西算不算禅呢？都是禅。
原因只有一个：人家玩得比你早。