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来源：蜘蛛抓取(WebSpider) 时间：2015-09-12 21:47 标签： 如何了解顾客需求
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求了解西方艺术史的大神解答。。。
Vasari, Wincklemann, Panofsky, 和Riegl都认为艺术在古典时期（古希腊罗马）与中世纪时期之间发生了变化。然而他们对于这种变化的本质有不同的见解。选择其中的两位艺术史学家，解释他们是如何理解从古典艺术至中世纪艺术的变化。 最好详细一点。。。
提问者采纳
　　瓦萨里和李格尔眼中的　　古典时期到中世纪的艺术发展　　在西方艺术的发展中，古典时期到中世纪时期的变化倍受艺术家和学者的关注。在此期间，艺术文明极度光辉的罗马帝国遭到了日耳曼帝国的入侵，破坏。而思想上，新基督教思潮侵蚀的当地旧宗教的思想。因而，艺术创作风格在此期间有着巨大的变化。概括的说来，其风格是由古典时期的真实自然、意境高雅，转向中世纪时期注重结构、表现单一的实体、带有一定宗教意识的特点。而在历史上，学者们对这一变化的讨论相当的激烈，当然也存在这多元化的观点，看法。以下是瓦萨里和李格尔的两个观点。　　按照瓦萨里的观点，这一变化是一种严重的衰落，而且甚至是衰落到了最糟糕的状况。首先，瓦萨里提出了艺术史周期论-------艺术的发展存在着必然的出生，长大，衰老的过程，并将会不断地循环。古希腊罗马是一个长大的时期，而接下来的是衰落的时期，而中世纪就处在衰落的时期。罗马帝国遭到了日耳曼人的侵略，糟蹋，这又是瓦萨里所说的当人与人之间的事物变糟，那么艺术也将变得跟糟。因而是战争将中世纪推向了艺术史的低谷。　　中世纪的艺术无论是绘画还是雕塑，都是糟糕的不可原谅。在雕塑上，他们的的作品都是十分枯燥，毫无生气，也无动感。中世纪时期，原来的古典时期的优秀的作品大多被毁坏，因而没有留下更多的线索供给日耳曼人去模仿。他们的雕塑作品大多是同时期所制作，根本不可能与古典时期各个异教的珍品所相提并论。在艺术发展上保留这一点点可供参考的作品，但是当时人却又只学到了拜占庭人的缺点，拙劣，而丢失了自然，高雅。瓦萨里对当时的所谓的艺术家表示极大的讽刺。因为几乎所有的作品都是极其低劣，但是在当时的艺术家和其他人却把其当成了伟大的创作。至于中世纪的绘画，更是一塌糊涂，它和雕塑一样枯燥，呆板，没有生气。　　根据瓦萨里的说法，在糟到不能再糟的时候，事物就会变好，这个恢复的过程分成三个时期，第一时期以乔托等艺术家创作风格简陋，但已经脱离了拜占庭的笨拙，僵硬，枯燥。第二时期的艺术家的作品更为精致优雅，体现了更多的色彩和动感。而最终在米开朗琪罗时代，艺术创作达到了最高峰。马萨乔的作品《纳税钱》和安东尼奥·波拉约洛的作品《圣塞巴斯蒂昂殉教》就是第二时期的典型代表，他们开始学会自然地描绘，赋予了作品一定的意境，并具有较丰富的色彩。但是比起米开朗琪罗的作品，依然显得有些枯燥。理想的境界是要像米开朗琪罗一样，提取自然各处最优美的部分组成一个完美的形象。　　前部分是站在瓦萨里的周期论，及《名人传》的观点来论述。　　不一样的艺术家，有着不一样的见解。艺术家的观点会随本身所处的时代，文化，传统的不同而改变。就如乔尔乔·李格尔，他对古典时期到中世纪时期的艺术变化的观点与瓦萨里的观点相去万里。　　前面说到对于古典晚期艺术创作的注重结构、表现单一的实体等风格，瓦萨里认为是笨拙，僵硬，枯燥，但李格尔认为这是从“触觉的”向“视觉的”转变，是一种过渡，亦或是一种进化。换一种说法就是古代先民是以客观的态度看待事物，视客体为对立面，并要以自己的“意志”来控制与驾驭它，人物在画中具有鲜明的等级差别。而现代人的知觉具有主观特点，将客体视为平等的他者，以“注视”或“凝视”的态度对待之。画中人物的视线往往指向观者的方向，“注视”或“凝视”也暗示着将观者包含在内，建立起画面与观者的联系，并渲染出某种情感氛围，从而也构成了画面的形式。任何艺术品都是一定的“艺术意志”的表现，“艺术意志”又是客观形成的，艺术意识来自当时社会的文化，。不同时“艺术技术、材料，经济文化，政治经济代有着不同的文化背景，这就意味着艺术品不应该有优劣之分。　　艺术的历史实质上反映了人类在各个时期与客观世界的触觉与视觉关系，而触觉是人类感知世界的初级阶段，古代先民只有面对切实可触的对象时才能把握它的存在，即人类认识世界　　主要凭借触觉，只能是一个局部，例如具有三维空间形态的圆雕是最早的艺术形式。换言之最初的艺术冲动是出自对自然形态的事物的模仿，是精神的自律，并不是先天的理念，而是本能的需求，如节奏与均衡、对称，这是在心理活动的刺激下产生的行为。古典时期的艺术创作便处在这样的一个阶段。而他认为古典晚期的艺术则到了一个更高级的阶段——视觉阶段。所谓视觉阶段的主要观点就是说，艺术史的发展不只依赖于外在的客观因素的影响，而是由“艺术意志”主宰。其含义是说一种艺术风格的形成，无论其时代背景和核心精神如何，最终还是艺术家的主观创造，艺术家的创造本能和创造冲动就是艺术意志的真正内涵，是艺术风格最原始的动力李格尔的《罗马晚期的工艺美术》虽然题名为工艺美术，但是它涵盖的内容却远远大于工艺美术（还包括建筑、绘画、雕刻）。而这种“艺术意志”主宰艺术创作的概念贯穿于李格尔的几部著作之中。　　由于对艺术史发展的观点千差万别，因而李格尔对艺术作品的评价与瓦萨里的观点也截然相反。例如，在对君士坦丁凯旋门的浮雕评价中，瓦萨里按自己的自然主义，追求自然中各种美相结合，则认为君士坦丁凯旋门的浮雕是一个优秀的艺术品。而李格尔却反驳说其实形式的区别代表着不同时代的不同趣味，不同需求，而不同时代的趣味，需求必然有所不同，但是时代是没有贵贱之分，优劣之分，而是随着时间不断地前进，因此艺术形式理所当然也不存在优劣之分。自然就不存在所谓的艺术的衰落。　　其实我觉得你吧，二者理论皆有特点，也受当时社会的影响。例如瓦萨里一再贬低罗马晚期的艺术。谁又能说不是为了提高自己艺术家的地位呢？回顾26世纪，赞助家们总是忽视艺术家们的辛苦创作，导致许多优秀艺术家尽然为生计奔波，又怎能有完美的创作。这其实在《名人传》中体现的三个目的已经证明，瓦萨里写此书带有很强的目的性，就是想让赞助家们从此重视艺术家，同时提高自己家乡托斯卡纳在艺术文明的地位。还有米开朗琪罗是他的老师，那么瓦萨里将米开朗琪罗时代作为艺术史的最高峰来描述。这也很有可能是为了自身利益。再看李格尔的理论，几乎站在史上所有艺术家的反面，把那些所有人都认为是拙劣的工艺粗糙的作品看成艺术进化的一种产物，难到所有的艺术家都是错的，就他一个人对？然而我觉得对不对其实都不重要。　　两个不同的学者，两种不同的理论，但他们都被奉为艺术史学的大师。那到底谁对谁错呢？或许本就没有对错之分。可能这一个理论的提出，他的真正意义就在于如何论证自己的观点。或者是说仅仅是提供了一个不同的欣赏角度，以供别人借鉴。我认为一部艺术史的编写，就好比对一个作品的欣赏，只不过规模比较大罢了。因而我们对艺术史的评价一样可以不同于前人所提出的观点。任何一种理论都将会是艺术史的组成部分，更多的里论将使艺术史更充实。让人们对艺术的评价逃脱原有的观点的束缚，变得大胆，新颖。我想这才是研究艺术史本质追求。
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其他2条回答
楼主是在学西方学界的中国艺术史吧。。。我也是。。同求。。。
哈哈~~同求！
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