《西方音乐史及作品欣赏 论述题》由会员分享，可在线阅读，更多相关《西方音乐史及作品欣赏 论述题（18页珍藏版）》请在装配图网上搜索。1、西方音乐史及作品欣赏论述题参考答案早期基督教音乐是怎样从希腊罗马的古代文明以及其它文化中接受影响的随着罗马帝国的衰落和西罗马帝国在公元5世纪的灭亡，基督教成为欧洲主要的文化力量。早期基督教会的音乐在形成的过程中，在音乐思想方面首先受到了古希腊的影响。基督教的教父们从罗马人那里搜集整理了来自希腊人的音乐思想，其中大多数涉及音乐的功能、理论和结构，并最终跟形成了一套与基督教神学相一致的音乐思想。一方面，基督教会保存了关于音乐的教化作用这一古希腊音乐理论的某些因素，另一方面又明确反对音乐的娱乐作用，只赞成一种服务于宗教目的的音乐。于是，音乐中与异教有联系的东西，特别是器乐，在基督教会中都被禁止了。其2、次，基督教会的早期音乐也受到犹太教的很大影响。这是由于基督教本身就是从犹太教中派生出来的。尽管基督教的仪式并不是直接来自犹太教，但是二者的确有一些极为相似的地方，例如都有一种象征性的献祭，一种领圣餐的仪式，以及朗读经文、唱诗篇歌和按照教会年历的特定日子安排经文和诗篇的内容这种传统的做法。由于基督教产生于西亚的耶路撒冷，所以，它的音乐还受到了来自东方的影响，在基督教传播的过程中，教会吸收了很多地方的音乐实践。叙利亚的修道院便是产生和发展基督教音乐的一个很重要的地方，据说对诗篇歌和赞美诗的演唱便是首先从那里传到东罗马帝国的拜占庭，然后才进一步传到西方的米兰等地的。自公元395年东、西罗马帝国分开之3、后，形成了东、西方两个不同的教会，它们各自有着不同的仪式传统，所用的音乐曲目也不尽相同。拜占庭作为当时的一个重要的政治文化中心，它的音乐文化也综合了来自古希腊和东方的影响。同时，拜占庭的音乐也深深地影响了西方的圣咏，例如拜占庭音乐所运用的八种调式，便和后来西方音乐理论中所运用的教会调式系统十分相似。在早期基督教会的圣咏中，不同的地区在接受来自东方的遗产的同时也形成了不同的流派，它们的流行地区和名称各不相同，在礼仪和音乐上也是各有特征的。例如有流行于法国的高卢圣咏、西班牙的莫扎拉比圣咏、意大利米兰的安布罗斯圣咏和罗马地区的老罗马圣咏等o在音乐理论方面，马蒂阿努斯卡佩拉5世纪初在总结古希腊音乐思想4、的基础时提出了“七艺”的理论。他将音乐列入七类“文科”之中，它们依法包括：语法、逻辑、修辞、几何、算术、天文和音乐。波依蒂乌是中世纪最有影响的理论家，他把卡佩拉的“七艺”分成两个部分，即与语言相关的前三艺（语法、逻辑和修辞）和与数字相关的后四艺（几何。算术、天文和音乐）。他的著作音乐的体制可能已经失传的古希腊著作为基础，反映了毕达哥拉斯等古代理论家的思想。在这部著作中，他还把音乐分成三类：天乐（听不到的宇宙音乐）、人乐（身体、灵魂等各部分的内在的协和）和器乐（鸣响着的可听到的音乐）。格里高利圣咏的形成和特征 礼拜活动中的唱诵经文成为圣咏。格里高利圣咏使用于罗马教会礼拜仪式，以著名教皇格里高利一5、世（GregoryI,在位于590604）命名，因表情肃穆、风格朴素也被称为苏歌（plainsong）。在西方音乐历史上格里高利圣咏具有极为重要的意义，在一定意义上可以说，西方中世纪教会音乐的历史是围绕着建立、修饰、扩展格里高利圣咏而展开的。4世纪以来，基督教从地下走向公开，迅速向各地传播，基督教的礼拜典仪也开始要求从原始状态步入完善和规范，不同地区的基督教会形成了具有自己特色的礼拜方式和圣咏音乐。格里高利圣咏形成于约8、9世纪，它以罗马礼仪为基础，融合了高卢地区的礼仪因素，最后逐渐影响到西欧其他地区的圣咏，成为罗马天主教圣咏礼仪的统一规范和最高权威。格里高利圣咏是罗马教会和世俗王权相互利用的6、结果，它不过是政教联姻在音乐上的一个产物。最开始从罗马带到高卢的圣咏可能只是词而没有音乐，为了让法兰克人掌握罗马圣咏，必须兴办歌唱学校，并从罗马引进歌手。为了让罗马圣咏能在高卢更好传播，查理大帝要求阿尔昆记录、增补并完成圣咏歌谱，这样的结果是，圣咏的吉普在高卢比在罗马得到更早的发展。罗马的音乐是通过口传进入高卢的，当它在新的土壤中生长时，一些高卢当地的礼仪音乐因素不可避免地被融合与外来的罗马圣咏，这样，产生了一种新型的圣咏格里高利圣咏。格里高利圣咏的基本功能是服从宗教礼拜活动，它肃穆、节制，最大的排除世俗的感性欲念，其最一般特征为：无伴奏的纯人声（男声）歌唱的单声部音乐形式；以拉丁文为歌词；即7、兴式而无明显节拍特征；建立在单纯的自然音阶基础上。格里高利圣咏的歌词主要来自圣经和诗篇，音乐服从于唱词。由于其宗教的性质，因此旋律音调一般平缓，以级进和三度进行为主，偶尔四、五度上行跳进后往往反向缓慢下移，音域经常控制在比较狭窄范围。格里高利圣咏的歌唱方式大概有四种：独唱、齐唱、交替歌唱、应答歌唱；根据旋律与歌词的结合情况，礼仪歌唱圣咏大致又可以划分出三种类型，这也是圣咏的三种风格，它们使用于宗教礼拜活动的不同场合：音节式、纽姆式、花唱式；格里高利圣咏在发展过程中形成了一些比较固定的音乐形式，其中最重要的有以下这些：诗篇歌调、交替圣歌、应答圣歌、赞美诗。简述从9世纪末到12世纪下半叶复调音乐的8、发展9世纪末，正当圣咏的记谱开始增多时，同时唱两个不同音高的现象便出现了。这种唱法被称作“奥尔加农”，它是西方复调音乐的祖先。最早的奥尔加农是在即兴演唱中产生的。大约850年（一说为900年）出现了音乐手册和学习手册这两篇最早解释这种现象的著作，其中谈到了两种形式的奥尔加农，一种是四度的，另一种是五度的，新加的声部都在圣咏的下方。五度的奥尔加农是严格平行的，而四度的却是在平行中混合了斜向和反向的运动。奥尔加农声部必须经常保持稳定，用谨慎的速度和正确的音程演唱，才能避免不好的三全音音响，并使结属处的同度汇合更加顺利。八度重叠在这两种奥尔加农中都是允许的。11世纪末出现了一种与过去很不相同的奥尔加9、农，它以四、五、八度的混合为基础。两个声部时而对比，时而平行，反向进行更多。开始与结束的音总是处在同度或八度上，奥尔加农声部也从圣咏的下方移到了上方。变得越来越突出和独立了。虽然在当时的大部分例子中，声部的移动都是音对音的，但是也有奥尔加农声部的附加音增多的例子。12世纪初，一些包含复调比较多的乐谱抄本来自法国南部阿奎坦地区的圣玛蒂亚修道院，所以那里的复调也叫圣玛蒂亚复调。这些复调的词曲都十分精致，声部的配合也相当密切。奥尔加农声部不仅位于圣咏声部之上，而且持续地与它作反向的运动。声部也经常也现交错。相比之下，奥尔加农声部更为活跃，常用一组音与圣咏声部的一个音相对。它已不再是圣咏的从属和陪伴，10、而是一个在旋律和节奏上都不同于圣咏的独立的线条。这种风格叫做“花腔奥尔加农”。12世纪后半叶，法国的首都马黎带在政治和经济发展的同时，也开始成为了一个知识和艺术的中心。在新建的巴黎圣母院中产生了一种复调音乐的传统，其深远的影响长达一百多年，这就是巴黎圣母院乐派。这个乐派的两位最杰出的作曲家就是雷奥南和佩罗坦。雷奥南既是一位作曲家，也是一位诗人。他在巴黎圣母院的附属学校接受了教育，并从12世纪80年代起在巴黎圣母院担任作曲工作。作被称为奥尔加农的最佳作者，作有奥尔加农大全一书。这是一部供教会主要节日的仪式（包括弥撒和日课）所用的两声部曲集，复调的部分在花腔奥尔加农和迪斯康特这两种风格之间交替。在11、花腔奥尔加农风格的段落中，圣咏保持在下方声部，也叫做支撑声部，用于节拍的长音符演唱。它的上方是奥尔加农声部，也叫第二声部，演唱悠长而富于装饰性的花腔乐句。两个声部均采用自由的节奏。在迪斯康特风格的段落中，支撑声部与第二声部均采用整齐、基本上是“音对音”的节奏，速度较快，并由一套“节奏式”所控制。此外，两个声部要以完全协和音程为主，并要多用反向进行。巴黎圣母院复调的第二个阶段的代表人物是佩罗担，他是迪斯康特的最佳作者，作有很多三或四声部的作品，主要是运用迪斯康特手法的段落，用它们取代了过去的两声部奥尔加农。在他的作品中，虽然有时与雷奥南采用同一首圣咏作为基础，但是在音响上已很不相同。因为圣咏上方12、有两个甚至三个声部，产生了更丰满的音响。声部之间有了更多的对位关系，它们时而交叉，时而重合，时而协和，时而不协和。节奏式的运用也更多和更富于变化。乐曲的篇幅更是大为扩展。若斯堪的生平与创作若斯堪(Josquin des prez,1440-1521)是16世纪初最重要的作曲家。他出生于法国中北部，一生周游各国，成为一个国际化的人物，但与尼德兰宫廷的联系并不很密切。他可能曾师从于奥克冈，并在意大利开始了他最初的音乐生涯。1459-1472年在米兰大教堂做歌手，并在那里为斯佛扎家族的公爵小教堂作曲。随后，又服务于罗马教皇和费拉拉公爵的教堂。15世纪90年代他也曾旅居法国，为路易十二的宫廷写过音乐。13、晚年（1504年）他返回故乡在教会任职，直到1521年浙世。若斯堪是一位承上启下的音乐大师，当时正值1500年前后的文艺复兴盛期，而这个时期也是音乐史上的一个分水岭。若斯堪和他的一些同代作曲家改进和发展了以杜费为代表的早期文艺复兴的音乐语言，使之更灵活，更有表现力，更适于表达歌词中所传达的作曲家的思想与情感。若斯堪的作品包括18首弥撒、100首经文歌和70首世俗声乐作品（大部分是尚颂）。他在他的很多作品中大量地运用了卡农手法，把它作为统一音乐结构的基本手段。这是若斯堪时代出现的一种新的作曲手法。在这种手法中，我们看到各个声部的模仿点依次进入，然后是模仿点的重叠，也就是在最后一个声部结束它的模仿14、乐句之前，另一个声部便开始了一个新的模仿点。继续演唱下面的段落。在复调的模仿的法为主的作品中，他也经常插入和弦式的段落，使织体富于变化。他的和声虽然仍是调式的，但是通过低音部频繁的四、五度运动，已经暗示了主一属和声关系的萌芽。在段落的结尾处，若斯堪还常用一种很有动力感的“驱动终止式”。在这种终止式中，声部的进行和节奏的运动都得到了加强。在若斯堪的弥撒曲中，有些沿用和发展了以前的技巧，如定旋律弥撒的手法：另一些则借用以前的一部完整作品作为新的结构框架来进行创作，这种弥撒曲叫做“仿作弥撒曲”（Parody Mass）。还有一种弥撒曲叫做“释义弥撒曲”（Paraphrase Mass）或“自由定旋律15、弥撒曲”，它不同于一般的定旋律弥撒曲之处主要有两点：（1）对借用旋律不再直接引用，而是把它精巧地作成一种便于运用模仿手法的动机材料。（2）这种借用旋律不再被支撑声部所独占，而是可以出现在所有的声部中。在15世纪末，尚颂的展也进入了一个新的阶段。和当时的宗教作品一样，在尚颂的写作中，四声部也已成为惯例，有时甚至使用五声部。各声部之间的模仿或严格的卡农取代了过去的高音部与支撑声部之间的二重唱结构。歌词采用四、五行诗句构成的单诗节宫廷抒情诗，取代了过去的“固定形式”（如回旋歌、叙事歌等）。在1501年出版的最早的印刷乐谱中，可以看到很多若斯堪创作的优美的尚颂。简述17世纪意大利歌剧的产生与发展歌剧诞16、生于16世纪末到17世纪初的意大利，这种体裁把舞台戏剧与布景、情节和持续的音乐相结合，音乐中包括各种独唱、对白、合唱和器乐演奏。早期巴罗克歌剧的一个直接的灵感来源是古希腊的戏剧。在那些戏剧中，合唱和一些抒情段落是需要歌唱的。人们相信古代音乐具有打动听众情感的力量，因此，也希望以类似的形式为基础来创作当代的音乐。歌剧的更加直接的来源是幕间剧。这是在文艺复兴时期的悲剧和喜剧的幕间上演的音乐短剧。在一些重大的礼仪性的场合上，幕间剧可以变得非常壮观，有合唱、独唱和较大的乐队。歌剧的诞生是和佛罗伦萨的卡梅拉塔（一个学者和艺术家的小组）的活动分不开的。这个小组以贵族巴尔迪伯爵为首，从16世纪70年代起常在17、伯爵家中聚会，其中包括两位重要的早期歌剧的作曲家一雅可布佩里和朱里奥卡契尼，还有几位最有影响力的音乐理论家，如文森佐伽利莱（科学家伽利略的父亲）。他们在聚会中对音乐的讨论受到一位研究古希腊著作的学者吉罗拉莫梅伊的信件的很大影响。梅伊认为古希腊音乐之所以感人，是由于它是以单音旋律为基础的，这种旋律特别能够通过人声的自然表现而传达歌词中的情感。佛罗伦萨卡梅拉塔成员的理论在佩里和卡契尼的一系列作品中得到了实践。首先是在1597年，他们都为诗人利努契尼的诗歌达夫尼谱写了音乐。这部作品可能是最早的歌剧，可惜只有一些片断保存下来。1600年，佩里为利努契尼作词的优丽迪茜谱曲，表现希腊神话中的奥菲欧的故事，18、在佛罗伦萨为梅迪契家族的宫廷婚礼上演出。卡契尼也参加了这个作品的一部分音乐创作。两人都在1601年出版了这部作品的总谱。它们代表了现存最早的完整保存下来了歌剧。蒙特威尔第在1607年创作了他的第一部歌剧奥菲欧。它是为曼图瓦宫廷而作的，也取材于希腊神话中的奥菲欧的故事，脚本作者是诗人小斯特里吉奥，他直接参照了利努契尼以前所写的尢丽迪茜，并把它扩充成了五幕戏。每一幕表现情节发展的一个阶段。音乐包含了多种多样的声乐和器乐的风格。首先，他运用了更加连续不断的宣叙风格，把朗诵性的部分和抒情性的部分混合起来，那些最现代的朗诵性音乐被保留在特别有戏剧性的场景中运用。其次，他运用了独唱的咏叹调和二重唱。然后，19、他还采用了一些牧歌式的合唱。最后，他在歌剧加入的器乐部分包括一些舞曲和器乐间奏、前奏或尾奏，这种段落有助于对场景的组织。17世纪中叶，意大利歌剧的发展开始出现角色增多、布景豪华、强调壮观场景和娱乐性的倾向。同时，宣叙调和咏叹调开始明确地分开，前者近似说话，后者是旋律性的和分节歌式的。17世纪后期，意大利歌剧在那波利得了进一步的发展，形成了“那波利风格”。代表作曲家是亚历德罗斯卡拉第。在他创作的一百多部歌剧（流传下来的并不多）中，优美的声乐旋律线条被简单的和声所支持，形成简洁的织体。宣叙调被分两类，一类是干唱宣叙调，只用通奏低音乐器组伴奏。另一类是助奏宣叙调，由弦乐伴奏，有时也动用乐队中的其乐器20、。这种宣叙调通常用于比较紧张的戏剧性场景中。在咏叹调中，返始叹调（da capo aria）占据了主导地位。这是一种带再现的三部曲式的咏叹调。它为声乐技巧的展示提供了条件，特别是在从头反复的段落中，歌手经常可以增加即兴的装饰。在斯卡拉第晚期的歌剧中，还开始采用了由“快、慢、快”三段组成的序曲，成为后来典型的意大利歌剧序曲。巴赫的声乐创作及其历史地位巴赫（J.S.Bach，16851750）是巴罗克晚期的德国作曲家，在他浩如烟海的作品中，声乐作品是很重要的一个部分，其中主要包括大量的宗教康塔塔和一些世俗康塔塔，以及受难乐、清唱剧和弥撒曲等。在1723年到1729年期间，巴赫为莱比锡几个主要教堂的21、路德教仪式创作了四套可供整个教会年使用的康塔塔，每套有大约60首，共200多首保存至今。康塔塔在念福音书之后演唱，经常是用音乐对福音书的内容加以评论。巴赫也有一些康塔塔是对自己以前作品的改编。他的很多康塔塔包括以众赞歌的歌词和旋律为基础的乐章。这样的众赞歌康塔塔一般用一首基于众赞歌曲调的合唱开始，并以同一首众赞歌简单的四部和声式的合唱起来结束。中间的乐章通常是咏叹调、重唱和宣叙调，常常改编众赞歌歌词，有时也引用众赞歌的旋律。例如他著名的康塔塔基督躺在死亡的枷锁中和上帝是我们的坚固堡垒。除了宗教康塔塔，巴赫还写了少量的世俗康塔塔，其中最著名的有太阳神和牧神的争吵、咖啡康塔塔和农民康塔塔。在这些作22、品中，巴赫运用了一些属于“华丽风格”（galant style）的新手法，例如避免精致的伴奏，优雅而平衡地分成两个呼应乐句的旋律等。巴赫的马太受难乐和约翰受难乐用音乐表现了圣经中对耶稣受难过程的描述。它们是为了莱比锡教堂在受难节期间演唱的需要而创作的。在这两首受难乐中，一个独唱男高音担任了福音书叙述者的角色，其它的人物分配给各位独唱者，它们演唱宣叙调和咏叹调。合唱表达群众的的情绪，对情节加以评论，演唱全曲首尾的两个大型乐章以及用四部和声谱写的众赞歌。这些作品实际上已超越了宗教仪式音乐的局限，具有很强的戏剧性，集中体现了巴赫作品中深刻的人道主义精神。B小调弥撒是巴赫晚年用他自己以前创作的作品汇集23、而成的，创作过程横跨了20多年。它包括了传统的常规弥撒曲中的五个段落，体现了巴赫在拉丁文复调音乐方面的理想。除了天主教仪式音乐的“古代风格”的因素，巴赫在这部作品也混合了一些新的风格，例如信经的“在圣灵中”这一句和其它一些咏叹调风格的乐章中，便出现了当时流行的“华丽风格”的因素。总的看来，巴赫可能是想把它写成一部超越教派的、带有普遍的宗教作品，其中汇总了适合宗教音乐创作的各种手法。巴赫的音乐在他死后的很多年中只在他的学生和崇拜者的小圈子里流传。在18世纪末一种新的更加简单明快的古典主义音乐风格兴起后，巴赫的音乐被认为是复杂而臃肿的，因而受到了人们普遍的忽视。对巴赫音乐的全面的再发现开始于19世24、纪，1802年，尼克拉斯福克尔的第一部巴赫传记出版，德国作曲家采尔特大力推动了马太受难乐的重新上演，1892年，这部沉睡多年的作品终于在德国作曲家门德尔松的指挥下在柏林得到公演，此举进一步激发了人们对巴赫音乐的兴趣，这是一个重要的转折点，从此复兴巴赫的运动就广泛而深入地开展起来。今天，人们终于认识到了巴赫在音乐史上所处的中心地位。他生活在欧洲社会由封建制度向资本主义制度转型的重要时期，这个时期在音乐史上也是欧洲古代音乐向近代音乐过渡的重要时期，因此，巴赫不仅是巴罗克音乐的一个辉煌的终点，而且也是后来的西方音乐发展的一个取之不尽的源泉。贝多芬的一生通常被分为几个创作时期，指出这几个时期的起止年代25、，并结合主要作品谈谈他第二时期的创作特征贝多芬（Ludwing van Beethoven,17701827）的创作一般被分为三个时期，第一个时期是从1770年到1802年；第二个时期是从1802年到1816年，第三个时期是从1816年到1827年。贝多芬的第二个时期是他最重要和最典型的时期。在这个时期。在这个时期，贝多芬已被人们认为是欧洲第一流的钢琴家和作曲家。由于他拒绝屈从于保护人和出版商的要求，他的作品的长度在增加，个性和反叛的东西也在增长。贝多芬写了大量的作品草稿，不断地修改它们，直到他自己满意为止。这是贝多芬音乐风格完全成熟的时期，他的很多最著名的作品都是在这个时期产生的。这个时期的26、主要作品有弦乐四重奏作品59号，也叫拉祖莫夫斯基四重奏，以及第74和第95号；15首钢琴奏曲（作品第22号到第90号），包括瓦尔德斯坦和热情奏鸣曲；第四和第五钢琴协奏曲；第三到第八交响曲；还有歌剧费德里奥。1803年创作的第三（英雄）交响曲是这个时期的一部代表作。这部作品最早是献给拿破仑波拿巴这位法国大革命的英雄的。手稿上原来的标题是“以波拿巴为题的大交响曲”，后来改成“为波拿巴而作”。据说贝多芬得知拿破仑在1840年称帝后，愤怒地擦去了原来的标题并改写成“英雄交响曲，为纪念一个伟大而作”。这是一首革命性的作品，是对英雄的伟大理想的一种不朽的音乐表现。贝多芬一生坚持共和主义的理想，向往法国大革27、命，追求“自由、平等、博爱”的资产阶级人道主义精神。这种思想典型地体现在第三交响曲中，并引起了音乐手法上的许多创新。例如第一乐章用两个强烈的乐队全奏的降E大三和弦作为引子，由这个大三和弦的分解构成了深沉刚毅的主部主题，它意外地到达升C音上，并引出了无穷的变奏和发展。简洁而有力的主部主题就像一部戏剧中的主人公，他被描写成一个奋斗的、被压制的，但最终取得胜利的英雄。而这个英雄在某种意义上就是贝多芬自己。整个乐章的篇幅大为扩展，副部出现多主题，展开部比呈示部更长，突然的转调和紧张的不协和音，以及连续的切分节奏所带来的不可遏制的动力感使乐章不断达到新的高潮。第二乐章是葬礼进行曲，这种体裁与法国大革命有28、关，在当时有固定的格式，如中段用大调式与两端的小调式形成对比，木管乐器比较突出，表达对英雄的牺牲的深切哀悼。贝多芬的这个乐章与法国大革命时期的作曲家伐塞克等人的同类作品有相似之处。第三乐章是一首大规模的谐谑曲。末乐章则是一个大变奏曲，主题取自贝多芬的芭蕾舞音乐普罗米修斯的创造。贝多芬在他的一首著名的钢琴变奏曲中也使用了这同一个主题。这个时期的其它几部交响曲创作也很值得注意。第四和第五交响曲表现了几乎是相对立的情感世界。第四是欢快而幽默的，而第五是与命运搏斗并最终获胜的巨人。第六交响曲（田园）有五个乐章，而不是通常的四个。它也是标题交响曲的一个先例。第七交响曲的规模也比较大，是以舞蹈的节奏为主导29、的一部杰作，而第八交响曲则比较短小，还恢复了古老的小步舞曲乐章。贝多芬唯一的歌剧费德里奥是一部拯救歌剧（法国大革命期间流行的一种歌剧形式），1804年到1805年创作，1806和1814年修改。贝多芬在这部歌剧中表达了和第三交响曲类似的革命精神。英雄主义精神也体现在贝多芬这个时期的其他一些作品中，如“瓦尔德斯坦”奏鸣曲和“热情”奏鸣曲，以及献给俄国驻维也纳大使拉祖莫夫斯基的弦乐四重奏（作品第59号）和第五钢琴协奏曲（皇帝）等。19世纪浪漫主义标题交响乐的创立者柏辽兹海克托柏辽兹（Hector Berlioz,1803-1869 ）法国早期浪漫主义音乐的代表人物。他不仅是一名作曲家、评论家和指挥30、家，而且还是浪漫主义标题交响曲的创立者。他在1830年春天创作的幻想交响曲标志着浪漫主义标题交响曲的诞生。这是一部有文学标题的、浪漫主义的和带有自传性的作品，它的副标题是“一个艺术家的生活片断”，五个乐章的情节经索通过比较详细的文字标题提供给听众。尽管如此，作者后来也承认，如果这部作品在音乐会上单独演奏，标题便不必让听众知道，因为他希望这部作品能“不从它的戏剧目的，而从它的音乐本身表现出它的趣味。”但是，和他的18世纪前辈库普兰或拉莫一样，柏辽兹天生倾向于音乐的描绘性。这是一部没有台词的音乐戏剧。幻想交响曲受到贝多芬的第六交响曲（田园）的很大影响。除了标题的使用，柏辽兹也用了五个乐章，此外，慢31、板乐章的田园气息也很相似。但这部作品却表现出更鲜明的浪漫主义特征。幻想交响曲主要的形式上的特点是第一乐章的主部主题（也叫固定乐思，代表交响曲的主人公为之倾倒的那个女人）在其它四个乐章中的再现。这部作品的真正的创新存在于它的音乐之中。作品的统一不仅依靠固定乐思的再现，而且依靠贯穿在五个乐章中的戏剧思想的有机发展（他在继承贝多芬交响乐传统的基础上，根据内容的需要对古典的结构框架作了大胆的突破）。柏辽兹的独创性的一个突出方面是配器。全曲到处充满生动的听觉想象和管弦乐音响上的发明，如第三乐章中四个定音鼓对远方雷声的描绘和末乐章小提琴弓杆敲弦表现地狱骷髅碰撞的声音。他在对新的音色等表现手段上的探索影响了32、里夏德施特劳斯和德彪西等后世作曲家。柏辽兹的第二部交响作品是为中提琴和管弦乐队而作的交响乐哈罗德在意大利（1834）。这是根据英国浪漫主义诗人拜伦的长诗哈罗德漫游记的四个场景而作的，共有四个乐章，主要主题由独奏中提琴奏出，有些象协奏曲的写法，但独奏者并不象一般协奏曲那样突出。据说帕格尼尼因此而拒绝演奏它（这部作品受帕格尼尼委托而作，但未按委托写成小提琴协奏曲。中提琴时而独奏，时而助奏，时而和乐队交融，意在刻划哈罗德这位孤独的浪漫主义艺术家的形象）。实际上乐队的处理也有些象室内乐，中提琴的旋律也运用了一个固定乐思，在各乐章中反复出现，与乐队的其它主题完美地结合。末乐章对前面乐章的主题作了总结。五33、年的的1839年，他写出了他的戏剧交响乐罗米欧与朱丽叶，他认为莎士比亚代表了诗意的语言的顶峰。莎翁的戏剧表情的真实和形式结构的自由在柏辽兹的心灵中得到了直接的反响。他在乐队中象贝多芬那样运用了合唱和独唱，整个作品共有七个乐章，声乐出现在前奏和其它三个乐章中。作品既保持了古典交响曲的一些特点，又象是一部没有舞台表演的歌剧。在总谱的前言中，作者阐述了作品的标题，可以看作幻想交响曲的标题思想的延伸，其中标题为“玛珀仙后”的谐谑曲尤其富有浪漫主义的神奇想象。在表现罗米欧和朱丽叶的爱情与死亡的两个场景时，柏辽兹采用了无声乐的纯器乐语言。他在前言中指出，器乐的语言更丰富、限制也更少，对于他的表现目的来说，34、这是无可比拟的更有力量的手段。简述瓦格纳的乐剧创作及其音乐上的主要特点瓦格纳是19世纪影响最大的，也是争议最大的作曲家之一。因为他在漫长的一生中，接受了来自文学、哲学、政治的各种影响，思想非常复杂多变。更重要的是由于他对浪漫主义歌剧作出了大胆的改革，艺术上极有独创性。他早年思想激进，赞同费尔巴赫和巴枯宁等人的理论，用自己的作品和文章批判了基督教和资本主义，为艺术家的悲惨命运发出抗议之声。他的第一部成熟的作品是1843年创作的歌剧漂泊的荷兰人。这部歌剧继承了威伯德国浪漫主义歌剧传统，由作曲家自作脚本，采用神话题材和再现的音乐动机，主题思想依然是通过爱情获得拯救。他在1845年创作的唐豪瑟和18535、0年创作的罗恩格林是最后两部重要的德国浪漫主义歌剧。前者有对教会的叛逆倾向，在音乐上融合了法国大歌剧的因素；后都更为成熟，仍然用神话与现实相结合的手法，揭示了现实中真正的艺术家的理想难以实现的悲惨处境。在音乐上运用了更加丰富和有个性的配器，织体也更加连贯，传统的分曲结构的痕迹已经较少，并出现了一种新型的朗诵性的唱法。在1848年欧洲资产阶级民主革命浪潮的失去下，1849年爆发了德累斯顿起义，瓦格纳积极参加了这次起义，失败后他受到通辑，被迫流亡瑞士长达四十年之久。在流亡的最初两年中，他完成了三部理论著作艺术与革命，未来的音乐和歌剧与戏剧，终于形成了他的歌剧改革的思想体系。在罗恩格林之后，瓦格纳开36、始把他的歌剧叫做乐剧，以便使之与当时的意大利歌剧和法国歌剧区别开来。从1852年起，他开始创作系列乐剧尼布龙根的指环（包括莱因的黄金、女武神、齐格弗利德和众神的黄昏四部乐剧），企图实现他的改革理想。这部巨大的作品用了近20年才完成，它以中世纪北欧的神话故事为基础，揭示了人们对金钱和权力的追逐必然导致灭亡的思想。瓦格纳仍然是自行脚本，四部剧中的人物、情节和音乐动机都是彼此联系和贯穿发展的。瓦格纳认为他的乐剧是综合艺术品（Gesamtkunstwerk），因为在这些乐剧中，情节、诗歌、舞台设计、表演和音乐是被综合成一个有机的整体来表现一个统一的戏剧思想的。在瑞士期间，他的思想发生了重大的变化，他接37、受了叔本华的悲观主义哲学。1857年完成了特利斯坦和伊索尔德这部他流亡期间最重要的乐剧，其中渗透了叔本华哲学思想的影响。1864年他得到赦免回国，并得到了巴伐利亚的路德维希二世的支持和保护。他在拜罗伊特建造了自己的剧院，以便能以理想的状态演出他的乐剧。他完成了纽伦堡的名歌手，表现文艺复兴时期下层人民的故事，亲切、乐观，嘲笑了艺术上的保守主义。在他最后的作品帕西法尔中，他返回了基督教的神秘主义。他的最后一篇论文是艺术与宗教。瓦格纳的乐剧在音乐上有如下一些特点：1、瓦格纳彻底打破了意大利歌剧的分曲结构，每一幕的音乐都是连续不断的。2、他以主导动机的运用而著称。这是一种与特定的角色、物体或思想有联系38、的反复出现的音乐动机。它为瓦格纳提供了一种使音乐和戏剧都获得统一的手段。例如在指环中，主导动机非常之多，几乎是连续使用，构成一个密集的主导动机网。它们既可以通过主题之间的类似暗示它们的联系，也可以通过主题的变形或与其它主导动机的对位结合来暗示情节发生的变化。3、瓦格纳的音乐是用一种“无穷尽的旋律”加以展开的。这是一种音乐织体，其中的主导动机和它们的再现与变化，提供了一种旋律材料的不间断的流动，很少有终止或明显的停顿的痕迹。4、瓦格纳的半音化和声，持续的离调和转调，以及对终止式的避免对后来的作曲家产生了很大的影响，并最终导致调性和声体系走向解体的边缘。5、瓦格纳还是一位配器的大师，在乐剧中，他空39、前地提高了管弦乐队的作用。19世纪俄罗斯民族乐派的主要代表人物及其创作特征19世纪的俄罗斯经历了多次革命运动，深刻的社会变革影响了俄罗斯人生活中的各个方面。农奴制崩溃之后，资本主义在俄国得到了进一步的发展。文学艺术领域也出现了新的繁荣，普希金、莱蒙托夫和果戈里的作品，以及车尔尼雪夫斯基的文艺思想都对俄国19世纪的精神生活产生了深远的影响。俄罗斯的民族乐派就产生在这样的社会背景之上。格林卡（Mikhail Glinka, 1804-1857）是俄罗斯民族乐派的奠基人，从他开始，俄国的专业艺术音乐才真正进入了成熟时期。同时，他也是第一位取得国际声誉的俄国作曲家。他出生在斯摩连斯克省的一个地主家庭，40、10岁开始学习音乐，在彼得堡贵族寄宿学校学习时，曾结识普希金，接受了反农奴制的思想。1830年赴德国、奥地利和意大利学习音乐，1834年回国，创作了他的第一部歌剧为沙皇献身，后改名为伊万苏萨宁，描写一位俄国农民把波兰军队引入歧路而光荣牺牲的故事，是一部爱国主义的歌剧。1836年首演后，曾被贵族们斥为“马车夫的音乐”。虽然这部歌剧借鉴了一些法国大歌剧的因素，但调式音阶的运用和俄罗斯民歌的引用无疑对后来的俄国作曲家很有启发。他的第二部歌剧是根据普希金的长诗改编的神话歌剧鲁斯兰与柳德米拉，1842年首演后再次引起轰动。这部歌剧运用了全音阶的段落、半音化、不协和和弦，以及民歌曲调的变奏曲。1844年格41、林卡赴法国和西班牙演奏自己的作品，创作了具有异国情调的管弦乐曲马德里之夜和阿拉贡霍塔。1848年在华沙居住期间创作了著名的管弦乐幻想曲卡玛林斯卡亚。这部作品采用了两首对比性的俄罗斯民族，用双主题变奏曲的形式写成，借鉴了俄罗斯衬腔和民间乐队的方法。1852年起，格林卡在巴黎、华沙和彼得堡等地继续创作和演出，1857年病逝于柏林。格林卡的音乐创作既从俄罗斯民间音乐吸取营养，又从俄国城市音乐文化中得到启迪，同时还大量地借鉴了西欧各国古典和浪漫主义暑期的音乐成果。从而把俄国的音乐提高到一个新的水平。俄罗斯民族乐派在格林卡之后的主要代表是“强力集团”。这是由五位俄罗斯作曲家组成的创作小组，也叫做“五人团42、”，其中包括巴拉基列夫、包罗丁、居伊、穆索尔斯基和里姆斯基科萨科夫。实际上，这五人中只有巴拉基列夫是专业作曲家，他与格林卡相识，是“强力集团”的发起人。其余四人起初都是业余作曲家。他们从19世纪60年代开始经常在一起聚会，分析和评论音乐名作，对作品和创作思想进行交流和探讨。他们都生活在俄国废除农奴制前后的社会运动高涨时期，受到车尔尼雪夫斯基等人的革命民主主义思想的影响，决心继承格林卡的道路，继续推进俄国音乐的发展。他们主张利用俄国民间音乐中的旋律、音阶、复调等各种独特因素，创作出一种具有明确的俄罗斯风格的音乐作品。“强力集团”中艺术成就最大的是两个年纪最轻的成员：穆索尔斯基和里姆斯基科萨科夫。43、穆索尔斯基（Modest Musorgsky,18391881）出生于地主庄园的家庭，13岁时入进入近卫军士官学校，同时开始投师学习音乐。毕业后的服役期间，与居伊、巴拉基列夫人等人相识，专心学习作曲。他在1861年废除农奴制时曾主动放弃家产。1863年在彼得堡进一步接受了俄国革命民主主义思想的影响。同时，音乐创作的个性也完全成熟。创作出大量具有代表性的作品，包括歌剧包里斯戈杜诺夫和霍万斯基之乱，交响音画荒山之夜，钢琴套曲展览会上的图画，以及67首充满现实主义精神的内容丰富的艺术歌曲。穆索尔斯基的晚年穷困潦倒，既受到官方的攻击，又得不到友人的理解，在1881年因酗酒而身亡。歌剧包里斯戈杜诺夫是穆44、索尔斯基的五部歌剧中影响最大的一部，根据普希金同名悲剧改编，深刻地表现了俄罗斯人民和沙皇之间的对立，既精心地塑造了人民群众的形象，又真实地刻划了沙皇包里斯的内心矛盾，把俄罗斯的历史题材的歌剧推向了一个新的高峰。这部歌剧的音乐语言很有独创性，首先是他创造了一种独特的声乐旋律，以同音重复的朗诵性音调和不对称的乐句为特征，实际上这是一种符合俄语语言规律的宣叙调或咏叙调。其次是他对打破常规的和声语言进行了大胆的探索，包括一些非功能和声进行的段落。里姆斯基科萨科夫（Nikolay Rimsky-Korsakov,1844-1908）在强力集团中年龄最小，但却是最多产和专业创作水准最高的作曲家。他出生于贵45、族家庭，17岁时结识了巴拉基列夫和穆索尔斯基等人，决心从事音乐事业。1862年从海军学校毕业后，经历了几年的航海生涯，返回彼得堡后便陆续创作了一些引人注目的作品，如第一交响曲，第二交响曲和交响音画萨德科，其配器的才能犹为出众。在他的管弦乐曲里还有两部表现异国情调的作品十分出色，一部是西班牙随想曲，另一部是取材于阿拉伯神话“一千零一夜”的交响组曲舍赫拉查德。除了交响乐，里姆斯基科萨科夫最有代表性的创作便是歌剧。从70年代到20世纪初，他先后创作了14部歌剧，例如五月之夜、雪姑娘、萨旦王的故事和金鸡等，这些歌剧大多采用神话题材，充满了奇异的幻想和丰富的色彩。关于里姆斯基科萨科夫还有两点值得一提，一46、是在80年代穆索尔斯基和包罗丁先后去世以后，里姆斯基科萨科夫对他们的遗作进行了整理和修订，重写或续完了他们的一些未完成的作品。有些作品经过他的修改或配器，得到了更广泛的传播。二是里姆斯基科萨科夫在彼得堡音乐学院从事音乐教育事业三十多年，为20世纪培养了很多优秀的作曲家，包括格拉祖诺夫、普罗科菲耶夫和斯特拉文斯基等人。德彪西的音乐受到了哪些方面的影响？印象主义这个词最早是用来形容法国画家的一个流派的，这个流派包括莫奈、马奈、雷诺阿和德加等人。他们放弃了浪漫派绘画传统中的宏大主题和程式化的因素，强调户外写生和表现客观物体在瞬间的光色变化给人们带来的印象，因此，他们的绘画在美术史上开创了一个崭新的纪47、元。后来这个词被借用到音乐中，用来特指德彪西的音乐。德彪西本人并不喜欢人们用这个标签来称呼他，但是这似乎已经成为一个约定俗成的称呼了。德彪西（Claude Debussy,1862-1918）出生于巴黎附近的一个小镇，11岁便进入巴黎音乐学院，他在学校时就公开蔑视学院派陈旧而迂腐的教学规则，大胆地弹奏不符合常规的和弦进行。尽管他20岁时便获得了罗马作曲大奖，但是他仍然渴望艺术上的更大的创新。在19世纪的最后10年中，他写出了大胆的音乐作品和音乐评论，同时，还研究了当时的印象主义绘画风格。象印象派画家关注景物的瞬间效果一样，德彪西也关注音乐的瞬间效果。他强调音乐中那些可以立即感知的因素，而不是需48、要在时间中展开的因素，因此他更关心和声与音色这两个因素以及它们所唤起的情绪和感官的印象。他把每一个和弦当作一种独立的色彩来看待，更注重和弦的色彩，而不是和弦之间的关系和功能。他的和声进行不再采用传统的方式，避免典型的终止式的出现，使不协和音摆脱了解决的需要。他采用平行和弦，更爱用七和弦和九和弦这样的复杂和弦。他对中古调式和东方音乐印尼加美兰音乐的发现，促使他为陈旧的西方音乐体系增添了新的色彩。他爱用五声音阶，这使他的音乐具有了异国色彩和东方神韵。他也爱用全音阶，这使他的音乐更适合表现细微的情感变化，由于这种音阶回避了半音的倾向性，具有一种游移不定的独特魅力。他爱用特殊的管统乐效果，例如使用分部49、很多的加弱音器的弦乐，在低音区迂回的长笛和加弱音器的圆号或小号。他也爱用比较轻柔的力度和精致而透明的织体。这一切都使德彪西的音乐具有一种朦胧的、难以捉摸的效果，这种效果和印象派的绘画是有类似之处的。实际上，对德彪西影响更大的或许并不是印象主义绘画，而是象片主义的诗歌。这个19世纪末出现的诗歌流派强调诗歌的音乐感，诗人在创作时可以为了诗句在音韵上的美而忽视它的含义。它们通过象征和暗示使诗歌的语言有了一种类似音乐的不确定性。这种唯美的、为艺术而艺术的探索，为诗歌的发现开避了新的天地。德彪西曾经参加象征主义诗人马拉美周五俱乐部的聚会，并以象征主义诗歌为基础进行过音乐创作。他对德国浪漫主义沉重而强烈的50、情感宣泄的厌倦，使他更加倾向于这种诗歌中所隐含的静穆的象征。德彪西的成名作是他唯一的一部歌剧佩利亚斯与梅丽桑德，这是根据梅特林克的一部象征主义戏剧改编的。德彪西写这部歌剧花去了十年的时间，剧中的音乐是静穆而含蓄的，但却为表现人物的心理提供了新的手段。德彪西的主要作品除了上述的那部歌剧，还有大量的钢琴曲，如水中倒影、月光和沉没的大教堂等。在这些作品中，钢琴的表现力得到了进一步的挖掘。他的管弦乐曲最著名有牧神的午后前奏曲、夜曲和大海。此外，他还作了一些法国艺术歌曲，包括为象征主义诗人的作品谱写的歌曲，以及一些室内乐曲。总的看来，印象主义只是德彪西风格的一个重要方面。他的很多作品，特别是晚期的作品已51、经远离了典型的印象主义。实际上，除了印象派画家和象征派诗人，德彪西的音乐还从肖邦、李斯特、格里格、穆索尔斯基和弗朗克和圣桑斯等浪漫主义和民族主义作曲家身上吸取了很多东西。他从法国音乐的传统中继承了优美的感伤、高贵的趣味和反浪漫主义的音乐观念。在他最后的一些作品中，转向了古老的库普兰和拉莫的遗产。贝尔格与威伯恩音乐创作不同倾向贝尔格与威伯恩都从勋伯格的作曲方法为基础，但他们音乐创作有着不同倾向。从20世纪音乐发展来看，贝尔格尽力把它拉回“过去”，使它向传统靠拢。在随勋伯格学习前，贝尔格的创作是在重复晚期浪漫主义的习惯性语言，在向勋伯格学习的6年间，开始形成自己怕特点，作品第4号起，他采用勋伯格的52、无调性语言写作，后又采用十二音体系，但仍保持了与浪漫主义的紧密联系。威伯恩的创作更倾向“未来”。他把勋伯格的作曲规则运用得更彻底、更极端、更理性化，因而使他的音乐语言更抽象、主观。带着更多的实验的性质，具体表现为：（1）旋律、和声的零碎和片段。（2）织体节俭。（3）曲式结构的简短。很少主题的重复或发展。这种音乐语言，不仅体现了威伯恩的独特风格，而且促进了战后新音乐的发展：（1）影响了点描派的形成。（2）预示了序列音乐的发展。（3）提高了音色在作品中的重要地位。简述六人团及其成员的创作风格1920年1月，法国记者科莱在喜剧杂志发表一篇文章。标题是俄国五人团、法国六人团和萨蒂，评论青年人的音乐会，53、将六名作曲家与俄国五人团对比，这就是“六人团”名称的由来。这六人是奥涅格、米约、普朗克、奥里克、杜列、泰费尔。六人团成员们的结合，有共同的思想基础，不同的反对印象主义，要求法国音乐走上新路、明快、活泼、机智、简朴。但这种思想基础并不牢固，随着时间的推移，各人的艺术趣味、才能、气质越来越不同，两三年后，很少再一起活动。六人团的创作不完全是新古典主义，新古典主义作曲家的素材和复兴古典曲式，但就其风格的清新、明块、纯朴来看，他们与新古典主义是一致的，斯特拉文斯基1920年回到法国的成了新古典主义的旗手，因此六人团的创作，大大加强了新古典主义这一流长的力量，奥涅格的音乐带有德国特点，比较雄浑、热情、充54、满动力感，而较少法国音乐那种清澈、机智的情趣。他与六人团其它成员相比，他的音乐不如米约那么开朗、明快、活泼，更不像普朗克那么清新、高雅、轻快，但比他们更深沉、深刻、激情，米约不像奥涅格那么有激情，同浪漫主义保持更多联系，但比他开朗、活泼、明快，米约也不像普朗克那么典型地体现六人团的创作思想，那么简朴、典雅、浅显。米约在他们中间，他的基本倾向是抒情性的。在他广泛采用的各种手法中，最突出的是多调性。多调性是形成他的风格的最大特点，他是第一个对多调性进行系统研究并始终不断地采用，从而发展和丰富了这一手法的作曲家。二十世纪二、三十年代美国音乐发展长期以来，美国音乐作品没有自己的特点。美国作曲家开始意识55、到应该创作具有民族风格的音乐作品，差不多快要进入20世纪。如麦克道尔、吉尔伯特、法韦尔等特别是艾夫斯，他的创作具有美国特点，并探索了很多新的作曲技法。美国音乐的真正成熟，涌现出一批作曲家，是20、30年代的事情，他们可算是美国音乐的第二代：如科普兰、哈里斯、辟期顿、塞砍斯、汤姆森、斯蒂尔等。美国民族乐派出现在这时，首先是社会舆论鼓动美国作曲家创作具有美国风格和特点的作品，同时，在音乐教育普及的基础上，有越来越多的作曲家致力于创作民族主义音乐，为美国民族乐派做出贡献。科普兰、哈里斯、辟斯顿三人都在交响乐领域为美国音乐赢得地位，特别是科普兰，成为“最美国化的美国作曲家”这些作曲家共同组成了美国严肃56、音乐的主流。二三十年代美国音乐还出现了一些新的流派。如瓦雷兹、考威尔为代表的实验主义作曲家。另一方面，格什文代表了另一新方面，他把20年代起风行全国的爵士乐，流行音乐同原来的古典音乐结合起来。美国音乐的下一代作曲家不再到国外求学。一方面，美国本身有了很有威望的教师。另一方面，很多欧洲人来到美国从事教学。新一代作曲家的风格各式各样，涉及无调性序列音乐、偶然音乐、电子音乐、音色音乐、新浪漫主义、爵士风格、混合媒体，以及非歌唱性的新人声音乐等。二十世纪五、六十年代西方音乐出现的新流派或新倾向二十世纪五、六十年代西方音乐，其风格和流派更趋纷繁。在这新多新流派中，最早引起人们注意的是序列音乐。序列音乐是57、在作曲方法上按照固定顺序进行安排的一种音乐。十二音音乐也是一种序列音乐，但这种序列手法仅表现在音高上，50年代出现的序列音乐，不仅在音高上采用序列手法。在其他方面如节奏、力度、音色等，也采用序列手法，因而称为“整体序列音乐”。威伯恩的管弦乐变奏曲把序列原则扩展到节奏方面，为序列音乐发展打下基础。梅西昂的时值与力度的模式被认为是第一部真正的整体序列作品。序列音乐的重要代表不觉有：布列兹、科普兰也在50年代转向序列音乐。序列音乐在70年代以后便衰落了。与严格控制的序列音乐相反的是偶然音乐。偶然音乐是作曲家一定程序地故意对作品的创作或演出不加控制的音乐。创作中的偶然手法表现为作品的某些部分不是作曲家58、自己写的，而是依靠偶然的，预想不到其结果的方法写出来的，表演中的偶然手法表现为作曲家留给表演者去决定作品创作的某些部分。偶然音乐的代表，美国作曲家凯奇的第一首偶然音乐作品变化的音乐。采用偶然音乐手法作曲的还有费尔德曼、布朗、沃尔夫等美国作曲家。欧洲作曲家也使用偶然手法，斯托克豪森、布列兹。电子音乐可以泛指一切利用电子手段产生，修饰的声音制作而成的音乐，与由共鸣体自然发音的音乐相区别，但严格意义上的电子音乐是指不仅在演奏上，而且也在作曲上利用电子手段而形成的音乐。电子音乐分这三个阶段。第一阶段：录音带音乐，指利用录音带操作技术制成的电子音乐作品，包括具体音乐和电子音乐。具体音乐的发明者是法国作曲59、家谢菲尔，他创作的第一首具体音乐作品火车练习曲，他最流行的具体音乐作品是锅盘练习曲，1951年，艾默特在西德科隆电台建立了电子实验室，那里的作曲家也利用录音带制作电子音乐作品。代表人物斯托克豪森的代表作品练习曲直、青年之歌。第二阶段：合成器音乐。1964年电平控制合成器产生，合成器音乐有了广泛的实际使用价值。代表人物美国作曲家劳博尼克创作了合成器音乐代表作品月亮上的银苹果。第三阶段：计算机音乐，指那些不仅利用计算机作曲而且其音响材料也出自计算机的电子音乐作品。代表人物是法国作曲家里塞，他的代表作突变工。寻求新的音色，在二十世纪五、六十年代的创作中，是一种重要的现象和倾向。如潘德雷茨基广岛受难者60、的哀歌利益蒂大气层等，被称为“音色音乐”。在新音色方面进行探索的作曲家还有瓦雷兹、梅西昂、威伯恩、希纳基斯、卢托斯拉夫斯基、诺诺、贝里奥、克拉姆等西方音乐史上被称为近代音乐之父的音乐家巴赫（1685一1750）；德国作曲家，其中比较主要的代表作包括：平均律钢琴曲集(The Well-Tempered Clavier)、赋格的艺术(The Art of Fugue)、勃兰登堡协奏曲(brandenburg Concertos)6首、小的琴协奏曲两首、无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲6首、无伴奏大提琴奏鸣曲与组曲6首、法国组曲、英国组曲、农民康塔塔(Peasant Cantata)、咖啡康塔塔(Coffe61、e Cantata)、马太受难乐(Matthauspassion)、b小调弥撒曲，等等。西方音乐史上被称为现代交响曲之父的音乐家海顿（732一1809）；主要作品有交响曲伦敦交响曲、告别、惊愕、时钟等一百余部，弦乐四重奏曲鸟、骑士等八十余部，清唱剧创世纪、四季等，以及钢琴奏鸣曲和各种独奏乐器的协奏曲等。西方音乐史上被称为歌曲之王的音乐家舒伯特（1797一1828）德国作曲家，声乐套曲美丽的磨坊姑娘、冬之旅天鹅之歌以及剧乐罗沙蒙魔王、菩提树野玫瑰等，都享有盛名。亨德尔的著名作品名称水上音乐莫扎特一生谱写的交响曲、钢琴协奏曲、小提琴协奏曲和歌剧的数量及他的主要歌剧作品17，5，41，25；后宫诱逃62、 费加罗的婚礼魔笛贝多芬（1770-1827）德国作曲家，代表作品：交响曲英雄、命运；序曲哀格蒙特；钢琴奏鸣曲悲怆、月光、暴风雨、热情舒伯特和他的著名声乐套曲和艺术歌曲。声乐套曲冬之旅天鹅之歌；艺术歌曲菩提树 魔王 柏辽兹和他的著名交响曲名称、创作年代。幻想交响曲1830比才和他的著名歌剧和组曲。歌剧卡门比才（Georges Bizet，18381875）法国作曲家. 音乐组曲（阿莱城姑娘）圣桑和他的著名作品。歌剧参孙与达丽拉圣桑（Camille Saint-Saens，18351921）法国作曲家.舒 曼（8101856）德国作曲家、钢琴家、音乐评论家。1834年新音乐杂志的创刊勃拉姆斯（163、833-1897），德国浪漫主义时期重要作曲家，勃拉姆斯的主要作品有：四部交响曲；两部钢琴协奏曲；D大调小提琴协奏曲；二十一首匈牙利舞曲；a小调小提琴、大提琴双协奏曲以及重奏曲、奏鸣曲、变奏曲、歌曲等。歌曲摇篮曲门德尔松（18091847）德国著名作曲家, 仲夏夜之梦序曲；第三（苏格兰）交响曲、第四（意大利）交响曲柏辽兹（1803 -1869）法国杰出的作曲家；幻想交响曲圣-桑的著名作品。歌剧参孙与达丽拉圣桑（Camille Saint-Saens，18351921）法国作曲家.霍夫曼的故事的作者：奥芬巴赫（JacquesOffenbach，18191880）法国作曲家；浮士德的作者：古诺（C64、harles Francois Gounod，18181893）法国作曲家瓦格纳(18131883) 德国作曲家；漂泊的荷兰人、纽伦堡的名歌手、尼伯龙根的指环、汤豪舍里查施特劳斯（18641949）：著名歌剧莎乐美；交响诗死与变容，曲调悲伤的弦乐曲变形和成熟的最后四首歌弗伦兹李斯特 （1811一1886）；浮士德交响曲；交响诗塔索、前奏曲、匈牙利 23、肖邦的生卒年代和他的作品。肖邦 F.F.Cchopin 1810-1849；F小调第二钢琴协奏曲；B小调第三钢琴奏鸣曲；马祖卡舞曲；威尼斯船歌；摇篮曲；F小调幻想曲等等。德沃夏克的著名作品。e小调第九交响曲 自新大陆；E大调弦乐小夜曲；b小调大提琴协奏曲斯梅塔纳的著名作品。交响诗组曲 我的祖国；被出卖的新嫁娘意大利的歌剧作家和他们的著名歌剧。威尔第（GiuseppeVerdi,18131901）伟大的意大利作曲家茶花女；歌剧蝴蝶夫人歌剧图兰朵普契尼（Giacomo Puccini，18581924）意大利歌剧作家俄罗斯民族乐派的“五人强力集

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希腊雕塑艺术风格的变化、发展，可分为古风时期、古典时期和希腊化时期。公元前449年到公元前334年是希腊雕塑艺术的全盛时期，艺术史上称为“古典时期”，著名的的雕塑家有皮弗格拉斯、米隆（掷铁饼者）、菲迪亚斯（雅典卫城）、普拉克希特列斯、史珂伯斯、留西波斯等，大量优秀的雕塑作品出自这个时期。掷铁饼者(Discobolos)，大理石雕复制品，高约152 厘米，罗马国立博物馆、梵蒂冈博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜，米隆(Myron)作于约公元前450 年。《掷铁饼者》就是现存流传最广的艺术杰作之一，也是古希腊著名雕塑家米隆的代表作。这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。雕塑赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，表现了作者高超的艺术技巧。虽然原作已经失传，但我们仍能从复制品中感受到那生命力爆发的强烈震撼，也是我们研究古希腊雕刻的重要资料。
《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻划的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的“引而不发”的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使观众心理上获得“运动感”的效果，成为后世艺术创作的典范。掷铁饼的强烈动感与雕像的稳定感结合得非常好。雕像的重心落在右腿上，因此右腿成了使整个雕像身体自由屈伸和旋转的轴心，同时又保持了雕像的稳定性。掷铁饼者张开的双臂象一张拉满弦的弓，带动了身体的弯曲，呈现出不稳定状态，但高举的铁饼又把人体全部的运动统一了起来，使人们又体会到了暂时的平衡。整尊雕像充满了连贯的运动感和节奏感，突破了艺术上时间和空间的局限性，传递了运动的意念，把人体的和谐、健美和青春的力量表达得淋漓尽致。体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。
　　接触古希腊文明，并非是从荷马史诗开始的，而是一次偶然在杂志上看到关于希腊建筑中三种著名柱式的介绍，才引发了对希腊艺术文化的兴趣。　　大家都知道，希腊是欧洲文明的主要发源地，因为围绕着爱琴海，所以希腊文明又称为爱琴文明。他不像再早一点的埃及文明那样，带有浓重的对法老和神灵的崇拜色彩，应该说更多的是将当时人们的生活融入了其中，这一点从他们将神赋予人的形象就可看出。希腊文明的主要体现，就表现在其神话、雕塑与建筑上，而后两者又深受前者的影响。　　希腊雕塑与建筑是可以一同划分其时代的，因为它们所具有的艺术内涵和其表现形式总是与当时的社会背景有紧密的联系。大致分为古风时期（因这时期的雕刻艺术呈古朴稚拙的风格而得名），古典时期（希波战争结束至马其顿亚历山大大帝开始东侵那段时间），以及希腊化时期(指罗马灭亡埃及托勒密王朝这一时期)。　　一、神庙林立的古风时期　　看《伊利亚特》和《奥德赛》时，我就一直苦于记不住里面那么多什么“克”什么“斯”的神，的确，古希腊是个泛神论的国家，所以人们认为每个城邦、每个自然现象都受一位神灵支配着，因此希腊人祭奉各种神灵，建造了许多神庙。在古风时期的这些神庙都是由爱奥尼亚式和多立克式的柱子包围而成的，这两者的最大区别就在于它们的柱头：前者是圆盘形的，而后者是旋涡式的。古风时期的雕塑有一个特点，那就是人物都有了表情，不过清一色都是如同一个模子里刻出来的微笑，后人称其为“古风式微笑”。　　二、伯里克利斯的繁荣新时代　　古典时期开始于希波战争结束后。这场战争以希腊的胜利而告终，由于损失较少且缴获了大量战利品，希腊的经济迅速繁荣起来。当时的执政者伯里克利斯是位精明能干的政治家，由于他贤明的关怀和提倡，希腊艺术进入最繁荣的时期。　　古典时期建筑的成就相当可观，其中最突出的代表是雅典卫城建筑群。其中最著名的要属献给雅典娜女神的帕提农神庙，它被誉为“希腊国宝”。值得一提的是，所有当时雅典的建筑都是由古典盛期最伟大的雕刻家菲狄亚斯设计的，而他也是伯里克利斯的好友。　　还记得雅典奥运会开幕式上一个个由演员扮成的人体雕塑吗？那时我看着这个场面，首先联想到的是雕塑家米隆的著名作品——《掷铁饼者》。有没有想过他为什么是裸体的呢？其实古希腊的奥林匹克运动会上运动员们都是裸体竞技的啊！　　三、以雕刻为主的希腊化时期　　希腊化时期，马其顿国王亚历山大率军征服希腊各城邦，建立亚历山大帝国。随着帝国的不断征服与扩张，产生了希腊文化向东方的传播以及与东方文化的交流，这一时期又称之为“泛希腊时期”。在这样一个文化大熔炉里，艺术也得到了很大的发展，雕塑成就最为突出。《米洛的维纳斯》、《胜利女神》、《拉奥孔》都是这一时期代表作。虽然前两者都已残缺不整，但作品所表现出的女性自然柔美的体态和生动的肢体形态让人深深感受到其永恒的艺术魅力，引发人们无限的幻想与思考。而《拉奥孔》中人物被几条巨蛇死死缠住而痛苦挣扎扭动的姿态充满了具有浓厚的悲剧色彩的感染力，震撼人心。　　希腊文明对欧洲文明以及整个世界的影响深远悠长，经久不衰，它如同人类文明史中一颗璀璨耀眼的明珠，将永远散发着独一无二的光芒。
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古希腊时期美术一般划分为几个阶段由刀豆文库小编整理，希望给你工作、学习、生活带来方便，猜你可能喜欢“古希腊时期美术作品”。1． 古希腊时期美术一般划分为几个阶段，分别有哪些有代表性的美术形式、特点。名家、名作，试举例介绍；试着介绍古风时期的建筑特点（柱式、特征），古典时期的雕塑特点。。。；巴低农神庙。①几何纹样化时期《第庇隆陶瓶》形体饱满坚实，上面层叠着宽窄不一的几何纹装饰带。②古风时期雕塑家把塑造生动、自然、充满生命活力的人的形象作为创作的目标。美术史上把男青年裸像称为“库罗斯”把少女着衣像称为“科丽”。《阿纳维索斯的库罗斯》人体圆满丰润的感觉得到了表现，嘴角上挂着浅浅的“古风式微笑”多少有些公式化的味道。《萨摩斯岛的赫拉》被赋予了优雅和高贵的气质，雕刻家掌握了透过薄薄的衣衫和细密流畅的衣褶揭示女性柔美圆润的肉体的技巧。陶瓶：黑绘风格红绘瓶画，优富罗尼奥斯《把萨尔珀冬抬下战场》，人物凄戚哀婉的表情非常逼真，画面渗透着浓重的悲剧气氛。希腊神庙的典型模式——“围柱式”；多利斯式神庙庄重、坚实，有阳刚之气；《赫拉第一神庙》 爱奥尼亚式纤细、秀丽、代表了女性阴柔之美。③古典时期公元前5世纪初，希腊美术步入它的黄金时期，雕塑家米隆《掷铁饼者》运动员蓄力待发的姿态非常逼真地传达了运动的意念。波利克来妥斯的《持矛者》达到身体结构的动态平衡。帕特侬神庙。厄瑞克忒翁神庙，立柱为颀长，秀美的爱奥尼亚式。雅典卫城洋溢着庄重、优美、和谐、生动的气息，带有浓厚的理想主义色彩“高贵的单纯和静穆的伟大”。《李西克拉特纪念碑》是科林斯式柱式。雕塑家史柯帕斯，善于表现剧烈运动状态下的人体，并借此传达人物内心激动不安的情绪《头像》。普拉克西特列斯《尼多斯的阿芙洛狄黛》以优美、柔和、细腻见长，是希腊历史上最早创作女性裸体像的雕塑家。利西普斯《刮汗垢的运动员》 ④希腊化时期雕塑家注重表达个人的主观感受和内心世界，并日益关注丰富多彩的现实生活。《拉奥孔》传达了戏剧性情节高度紧张、惨烈的气氛。《米罗的维纳斯》细腻、和谐及优美丝毫不让于古典佳作，在艺术技巧上甚至更胜一筹。《萨莫色雷斯的胜利女神》以昂扬，舒展，富于韵律感的动态，展现了古典时代奋发、乐观的精神风貌。2． 3． 欧洲中世纪美术的几种典型风格及特征介绍欧洲文艺复兴时期弗罗伦萨画派的创始人；文艺复兴时期美术的总体特征，三杰及其代表作品简介；列出文艺复兴时期荷兰、尼德兰、西班牙等过不少于5位著名艺术家。4． 列出欧洲17-18世纪的几位著名艺术家及其代表作品，并试着加以介绍。5． 6． 7． 现代艺术特征。简介印象画派特点及其代表作品和画家。简介后印象主义和印象主义的区别，三位代表人物及代表作品简介。8． 马蒂斯（野兽派）、毕加索（立体派）、达利（超现实主义）简介。①野兽派：用色鲜明强烈，笔触突出有力，对构图、题材、形体的处理带有主观随意性，画面大多具有装饰性。马蒂斯《带绿色条纹的肖像》、《音乐》、《舞蹈》画家的兴趣在于色彩的构图。他试图通过自由的想象，以最简练的形式和强烈的色块对比表达自己的情感。以深红色画人物，绿色和深蓝为背景，色彩和图案的魅力既是其内容又是其形式。立体主义运动是视觉艺术中一场最彻底的革命，它的意义在于空间处理的新概念它实际上是主宰20世纪艺术中抽象的和非具象的绘画流派的直接源泉。立体主义的主要特征是，打散形体，再按几何图形将它们重新组合于画面上。①毕加索和布拉克毕加索（1881-1973）《阿维尼翁的少女们》明确打破了传统透视这面镜子，创造了一种异质的空间，使从不同视点同时观看对象成为可能。《弹曼陀林的女子》这个团体重视科学的方法，尤其是心理学的方法，推崇弗洛伊德的精神分析学说，超现实主义的基础是相信至今被忽视的某种联想形式的超现实性，相信梦幻万能，相信不受任何支配的思想。达利（1904——1988）《记忆的持续性》把象征时间的表画得像软绵绵的面饼，停滞的时间暗示着永恒。运用出自梦境，幻想，记忆和心理学或病理学的变形要素，创造梦幻的现实。9． 徐悲鸿、齐白石、潘天寿、林风眠、傅抱石、黄宾虹、吴冠中等国画家简介。10． 表现主义绘画代表人物及其作品简介。11． 抽象主义美术的代表人物及作品简介。12． 后现代主义的特征，列举一些代表形式；简单了解装置艺术、行为艺术的特征并简评。13． 中国各个历史时期的最典型美术成就及特征。史前美术史前美术的概念是指没有确切文字历史记载之前的历史。这是一个相当漫长的历史空间。目前学术界较为通行的分类方法是将其划分为旧石器时代和新石器时代。旧石器时代的美术主要体现于这一时期所使用的石器工具上。新石器时代的美术则转向了器用我国发现的最早的雕塑作品是在新石器时代。从其材质来分，可分为陶雕、石雕、玉雕、骨雕；从题材内容来分，主要有人物、动物以及少量植物。夏商西周美术这一时期以青铜器的艺术成就最为突出，故有青铜时代之称。青铜器种类，分为：礼器、乐器、兵器、工具和车马器等四大类。礼器是统治阶级用以区别尊卑等级的器物，分为：炊煮器、食器、酒器、水器。其中，炊煮器有鼎、鬲等品种。食器有簋、盂、豆等品种。酒器有觚、觯、爵壶等品种。水器有盘、鉴等品种。乐器有铃、鼓、钟等。车马器和杂器有辖、马衔、炉等。青铜器的纹饰主要有几何纹类（云雷纹，绳纹，环带纹），动物纹类（饕餮纹，夔纹，象纹），人物活动纹类。这一时期的书法艺术主要有甲骨文和金文，同时玉器也比较发达战国、秦、汉美术 墓葬美术 战国时期帛画《人物龙凤帛画》，1949年长沙陈家大山楚墓出土，高31厘米，宽22.5厘米，画一贵妇着宽袖细腰长裙，侧身向左，合掌而立，在腾龙舞凤的接应下向天国飞升的景象；《人物御龙帛画》，1973年5月出土于长沙子弹库楚墓，高37.5厘米，宽28厘米，画面正中画一危冠长袍，侧身拥剑的贵族中年男子，头顶华盖，驾御舟型巨龙向天国飞升的景象，龙尾企立一鹤，龙身下画一条鲤鱼，表示龙正在天河中行进。这两件楚国帛画在题材内容和表现手法等方面都有相同之处：它们的实际用途都是作为葬仪中的“铭旌”；所表现的主题都是“引魂升天”；画中的人物形象都是墓主人的肖像；人物都作正侧面立像，墨笔线条是最主要的表现手段。战国帛画具有一定的绘画水平和技巧。造型、构图、运笔均已摆脱幼稚的绘画时代，为秦汉的绘画艺术打下了良好的基础。汉代帛画在艺术处理手法上具有鲜明特色：首先，在构图上，通过穿壁的蛟龙将人间、地下两部分联成一体，又通过昂扬的龙首与迎候在天门的司阍，构成升天的气氛，使画面三部分有机地联系起来；其次，将墓主人画在旌幡中心部位，并且通过跪应与随从的衬托显示出墓主人的身份高贵；墓主人形象画成正侧面或画成四分之三的半侧面，形貌服饰皆刻画得惟妙惟肖；各种神禽异兽，姿态矫健活泼，勾线流畅挺拔，设色庄重典雅，展现了西汉绘画卓越的艺术水平。随葬俑一、秦始皇兵马俑1974年至1976年，在秦始皇陵东郊的临潼西杨村南边，约当东陵道之北侧，先后发现三座埋藏大型陶塑兵马俑的从葬坑。其中一号坑东西长230米，南北宽62米，总面积1.3万平方米；坑内作土棱与巷道颉比相间布局，东段设开阔的前厅；巷道与前厅部分，整齐地埋藏着与真人真马等大的陶塑兵马俑，按其密度推算，总数达6000余件。被誉为“世界第八大奇迹”。它们是秦代禁卫军的真实写照，在总体设计上，既担负守卫陵园的象征职能，又是对秦始皇统一中国这一历史功绩的纪念。为数众多的陶塑兵马俑，通过严谨的布局，排列成面向东方、气势磅礴、威武雄壮的军阵场面。再现了秦军奋击百万，战车千乘，军阵整肃，勇于攻占的宏伟气派。这是秦代造型艺术取得划时代成就的标志。秦兵马俑的艺术特点：崇尚写实，手法严禁；性格鲜明，形象生动；在总体布局上，利用众多直立静止体的重复，造成排山倒海的气势，使人产生敬畏而难忘的印象。二、两汉陶俑及木俑 陵墓雕刻一、西汉霍去病墓石雕群这是西汉纪念碑性质的一组大型石刻。现存之霍去病墓石刻，包括马踏匈奴、卧马、卧虎、卧象、石蛙、野人、石鱼二、人与熊等１４件作品。另有题铭刻石２件，全部用花岗岩雕刻而成。作者运用循石造型的艺术手法，巧妙地将圆雕、浮雕、线刻等技法融汇在一起，刻画形象以恰到好处，足以表现客体特征为度，决不作自然主义的过多雕镂，从而加强了作品的整体感与力度感，堪称“汉人石刻，气魄深沉雄大”的杰出代表。二、东汉墓前石雕东汉墓前的石雕以石兽居多，石人雕刻从目前发现的情况看遗存不多。较为有名的是山东曲阜乐安太守墓前两躯石人雕象，以及河南开封中岳庙前的两躯石人雕象，两处的石人雕象造型都较粗短，古朴稚拙，伫立如柱，略显呆滞。三、汉代石雕艺术的特点汉代大型石雕风格上的共同点是：循石造型，因材施艺，较多地保留了原石的形状和表面质感，稍作加工，取其意似，不作细致刻画。它是一定美学趣味的产物，花岗岩的特殊质感与这种古拙朴厚的风格结合在一起形成的阳刚之美。很好地表现出西汉帝国朝气蓬勃的时代风貌。画像石和画像砖画像石是雕刻着不同画面，用于构筑墓室、石棺、享祠或石阙的建筑石构。画像石西汉昭、宣时期，新莽时期有所发展。画像砖是秦汉时代的一种建筑装饰构件。秦代至西汉初期，画像砖多用于装饰宫殿的阶基。西汉中期以后，画像砖主要用于装饰墓室壁画。东汉是画像砖艺术的鼎盛时期。书法秦汉时代，是中国文字变迁最为剧烈的时期。秦灭六国后，省改大篆而成小篆，隶书则在东汉发展成熟，草书则进入章草阶段，行书、楷书亦在萌芽之中。同时，书法渐成艺事，书家辈出。一、小篆在大篆的基础上创造出的一种长方体、用笔圆转、结构匀称，笔势瘦劲俊逸，体态典雅宽行的新书体。流传下来的刻石作品有《泰山刻石》较可信。刻符则以《阳陵虎符》艺术水准最高。二、隶书由于功用、地域和意趣的不同，汉隶风格显得华彩斑斓，其中最具代表性的是东汉的碑刻隶书。书写风格大体分为两类：一类字体方整，法度森严，波磔分明：一类则较为随意，重自然意趣。现存有《张迁碑》《礼器碑》《石门颂》等。工艺美术工艺美术到了秦汉时期有了较大发展。工艺生产分化为官方和民间两种体制形式，其产品已经不再仅仅是达官显贵的专署，同时还作为商品在国内外流通。尤其在汉代，漆器和丝织工艺的发展最为突出；金属工艺进一步发展为豪华的贵族日用品；陶器仍然作为日用器皿；原始青瓷已经发展成熟，完成了工艺技术上的大飞跃。魏晋南北朝美术曹不兴，三国吴人，是最早享有盛誉的一位画家。传说他画屏风是落墨为蝇，使孙权误以为真，说明他具有一定的表现力和能力。卫协，西晋画家，他的创作多是人物、故事以及道释题材的作品。谢赫评价称：“古画皆略，至协始精。六法颇为兼善，虽不备该形似，而秒有气韵。凌跨群雄，旷代绝笔。”顾恺之，字长康。他是东晋最伟大的一位画家，也是早期的绘画理论家。顾恺之的绘画注重表现人物精神面貌，尤其重视眼神的刻画。同时他也擅长以绘画艺术的语言来着意刻画对象的心理特征与精神风貌。有三件流传下来的绘画作品被认为是顾恺之原作的模本，即《女史箴图》、《洛神赋图》和《列女传*仁智图》。线条以连绵不断的、悠缓自然的形式体现出节奏感，线条的力度略有控制，正如“春蚕吐丝”一样。陆探微，南朝刘宋时杰出画家，擅长人物画。他运用草书的体势，形成气脉连绵不断的“一笔画”的笔法，而画人则能作到“精利润媚”、“笔力劲力如锥刀焉”。创造的“秀骨清像”的人物形象，清秀隽永，是对崇尚玄学，重清谈的六朝士人形象的生动概括。他所创造的这种人物画式样在当时蔚然成风，并影响到雕塑的造型。张僧繇，萧梁时期的画家，艺术创作以绘饰佛寺壁画为主。不同于顾恺之、陆探微的“笔迹周密”的“密体”风格，张僧繇则使“笔才一二，象已应焉”的“疏体”。曹仲达，是来自中亚曹国的北齐画家，他以画梵像著称，被誉为“曹家样”。“曹之笔，其体稠叠而衣服紧窄”即所谓“曹衣出水”。“曹家样”概括了佛教艺术在最初传入的几个世纪里中外交融的艺术风格。画学论著一、顾恺之的画论顾恺之的画论著述流传下来的有《画云台山记》和《论画》两篇。他特别注重人物的“传神”，认为“传神写照正在阿睹中”。在阐明表达人物神情气质的同时，又强调绘画技巧的重要性。顾恺之论画的重要性在于把绘画的一般性论述提高到独立的理论认识高度。二、谢赫的《画品》谢赫是南齐前后的画家，理论家，以时装人物和肖像画为题材进行创作，但主要贡献在绘画理论发面。他的《画品》是古代第一部对绘画作品、作者进行品评的理论文章。《画品》中提出了绘画的社会功能以及品评绘画的六条标准，即“六法”：一、气韵生动；二、骨法用笔；三、应物象形；四、随类赋彩；五、经营位置；六、传移模写。“六法”的提出是古代长期绘画实践和理论探讨的具有总结意义的完整认识，在绘画发展史上有重要意义。三、宗炳《画山水序》宗炳的主张受玄学影响很深。他在《画山水序》中认为：山水是以其外形体现“道”的。但是，他提出的“应会感神，神超理得”的创作构思方法，在一定意义上可理解为：有感于物而在内心引起反响，激起创作激情则充分表明了他的审美意识。他在《画山水序》中接触到了绘画创作的规律和方法问题，以及对形象再现和创造的认识，对具体的表现方法和初步领会到的透视原理也十分透彻精辟地作了概括。宗炳将山水画创作归于“神思”，即强调艺术家的想象活动。这种对情致和意境创造的领略，无疑和后世追求的：“寓情于景”，“情景交融”有着一脉相承的关联。书法家 钟繇，其书法形成了由隶入楷的新气象，因此被奉为“正书之祖”。其书法特点是字型扁方，行笔古朴厚重，结字疏郎，笔画富有意趣。索靖，字幼安。善章草，《月仪帖》是其代表作。王羲之，字逸少。王羲之在书法史上最突出的贡献在今体书法，他的书法完全脱开隶书的形制而成熟完美。其代表作《兰亭序》有“天下第一行书”之赞誉。王羲之被称为中国书法史上的“书圣”。书法理论西晋的书法家卫恒著有《四体书势》，这是一部史论结合的重要理论著作，其内容主要是对篆、隶、草书的源流遗事等的论述和赞赏书法艺术的成就。南朝书法家王僧虔所作《笔意赞》是最早在书法里提出形神问题的评论文章。文中提出：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人。”佛教美术佛教美术按其类别，一般可以分为佛教壁画、佛教雕塑和佛教建筑三大类。一、新疆石窟壁画二、敦煌壁画佛教雕塑一、云冈石窟二、龙门石窟三、莫高窟雕塑隋唐美术绘画艺术 人物画唐代人物化主要以贵族生活为题材，并以为贵族服务为主。一、阎立本与尉迟乙僧 以阎立本为代表的绘画风格体现了中原风格，而以尉迟乙僧为代表的绘画则体现了西域画风。阎立本，其主要成就在绘画方面，毕生为皇室创作。他的传世作品有《步辇土》、《职贡图》、《历代帝王图》等。值得注意的一个现象是阎立本的绘画都是省略了背景，以突出主体的，这是这一时期绘画的特点。尉迟乙僧为西域人，王族子弟。他最擅长画佛像、人物、鬼神、也善花鸟。所画人物“皆是外国之形象”。尉迟乙僧的画风具有浓郁的西域特色，其创作多是寺庙壁画，他采用西域的“凹凸”法，所画壁画具有立体感。他画佛像“用色沉着，堆起绢素而不隐指”，“均彩相错，乱目成沟”，但是在用笔上“小则用笔紧劲，如曲铁盘丝，大则洒脱而有气概”。二、“画圣”吴道子吴道子的创作首先表现在宗教绘画上。他创作了３００余堵壁画，涉及各类经变、文殊、普贤、佛陀等。传为吴道子的作品有：《地狱变相图》、《送子天王图》、《钟馗捉鬼图》等。吴道子不但吸收了张僧繇的立体画法，还发展了张的洗练概括的绘画技巧，即所谓“笔才一二，像已应焉”，“笔不周而意周“，并在此基础上又有突破和创新。尤其是他创作的豪迈奔放、变化丰富、错落有致的“莼菜条”线描，能表现对象“高测深斜，卷褶飘带之势”，获得“天衣飞扬，满壁风动”的艺术视觉效果。这就是吴道子创造的“吴带当风”的艺术风格。吴道子为强调其线条的表现力和独立功能，有意识的在画中将色彩弱化，“于焦墨痕中，略施微染，自然超出缣素”，从而突破了南北朝以来的重彩风格，当时称为“吴装”。此外，他还创作有“只以墨踪为之”的“白画”，为后世白描之先声。吴道子再绘画技术上的不断创新与拓展，在一定程度上体现了时代精神和审美变化，所创“吴带当风”成为后世典范，因而享有“百代画圣”之誉。二、唐代仕女画张萱 盛唐画家，代表做有《虢国夫人游春图》和《捣练图》。《虢国夫人游春图》是以盛唐贵族妇女生活为题材。画面上马的步伐轻快，人的形态从容，符合游春的愉快主题。不依靠背景，仅以一组人物的配置、马的跑动和色彩运用而能衬托出春天的气息是此幅画的成功之处。周肪 继承并发展了张萱仕女画的是周肪，是唐代最有代表性的画家之一。其代表作有《挥扇仕女图》、《游春仕女图》、《宫骑图》等，多表现贵族妇女的幽怨生活。同时，周妨又是一名宗教画家，他画的形象“衣裳劲简，彩色柔丽。菩萨端严，妙创水月之体。”，这就是为后世广为承传的“水月观音”之体，被称为“周家样”。山水画一、展子虔《游春图》以青绿勾填法描写山川、人物、尚无皴法，树木直接用粉点染，体现出朴拙而真切的描绘自然的能力，展示出山水画已经由六朝以来的萌芽状态而趋向成熟。画面取俯瞰式构图，重叠的山冈，平远的河水，确实取得了“远近山川，咫尺千里”的效果。游乐于山川中的人物以及画面所呈现出来的春天的气息，显然是在追求“画外有情”的艺术境界。以前只在理论上探讨过的山水画技法，这时已经能够部分的作到了，反映出作者观察与认识自然景物的能力显著提高了。从画面所呈现出来的风格特点等方面可以明确看出这一时期山水画的成就与面貌，给后世以深重的影响，开创了青绿山水的端倪。二、李思训和李昭道 继承并发展了展子虔所开创的青绿山水画风格李思训 字建，唐朝宗室。他的画风突破了单纯以线勾勒填色的画法，以富有变化的勾褶表现山石树木的结构，再以青绿重彩填染，使画面富丽堂皇。代表作为《江帆楼阁图》。李昭道 是李思训之子，被称为“小李将军”，代表作《明皇幸蜀图》、《春山行旅图》。绘画手法均用细笔勾填，仍无皴法。青绿山水画，基本上是用细笔勾勒山石树木，用石青石绿填染为主，既表现了对象的固有颜色，又绿带主观化装饰意味的手法。这是较早的山水画样式，因为使用青、绿为主的颜色而被称为“青绿山水”。后世把李思训推崇为“北宗”或青绿山画派的鼻祖。三、水墨山水画的创立盛唐期间，山水画出现了重大变革，有异于青绿山水而出现了吴道子笔迹豪迈和王维水墨简淡的山水画。王维以诗入画，创造出简淡抒情的意境。特别是他首先采用“破墨”山水技法，大大的发展了山水画的笔墨意境，对山水画的变革作出了重大贡献。同时，王洽画松石山水则以疯癫狂放，创“泼墨”之法。唐中期画家张，作品多以水墨作山水松石，意趣追摹王维。其名言“外师造化，中得心源”，所强调的在于通过摹写自然山水来传达人物的主观性情。中晚唐的花鸟与鞍马画 薛稷、边鸾，曹霸、韩 画论 朱景玄《唐朝名画录》 张彦远《历代名画记》陵墓雕塑昭陵六骏六骏是唐太宗征战时先后骑过的六匹骏马，即：飒露紫、拳毛白蹄乌、特勒骠，青 和什伐赤。其中，飒露紫和拳毛 早年被盗往国外。浮雕六骏分别选取侍立，徐行，奔驰等动态，风姿英武。其中，飒露紫选取战马受伤，丘行恭为其拔箭的瞬间，具有情节性。特别值得重视的是，这六件石刻作品纯熟地运用了“起位”这一典型的浮雕创作技巧，因而使作品产生了强烈的体积感。千余年前的雕刻家能够如此明确的意识到浮雕创作的这一基本特征，是令人惊叹的。乾陵石刻 顺陵石刻书法艺术初唐四家一、欧阳询二、虞世南三、褚遂良四、薛稷楷书与草书的发展一、颜真卿二、柳公权三、张旭四、怀素李阳冰的小篆 书法理论一、李世民的《笔法诀》二、孙过庭的《书谱》三、张怀 的《书断》 石窟壁画一、新疆地区的石窟壁画二、莫高窟壁画 石窟雕刻一、龙门石窟雕刻二、天龙山石窟造像三、炳灵寺石窟造像四、莫高窟唐代彩塑唐代佛教美术的基本成就和特点唐代的佛教美术明显地走向世俗化。一方面，绘画形象和表现技巧经过不断探索而更加为广大观众所接受；另一方面，就绘画题材而论，现实性因素逐渐增多也曲折的表现了人们对现实生活的热爱。根据经典创作的佛像、菩萨天女形象直接来源于现实人物，其体态丰满，容貌端丽，具有动人的风貌。先前流行的“张家样”和“曹家样”至唐代则逐渐形成了以吴道子为代表的“吴家样”和以周肪为代表的“周家样”。这是融合中原与外来因素形成的两种中原地区新的艺术样式，成为更加受人们普遍喜爱的道释画流派。五代两宋美术五代两宋时期是中国绘画的鼎盛时期。一方面，绘画自身的形式意义得到了充分的释放；另一方面，绘画与其他艺术形式（如：文学，书法等）之间的关系得到了空前的加强。承前启后的五代绘画人物画一、周文矩《重屏会棋图》、《宫中图》二、顾闳中《韩熙载夜宴图》 五代山水四家一、荆浩二、关仝三、董源四、巨然 徐黄异体一、黄荃 西蜀宫廷画家，所作多为宫廷中的奇禽名花。以极细的线条勾勒配合以柔丽的赋色，线色相溶，几乎不见勾勒痕迹，情态生动逼真。由于他所画的题材和用于装饰宫廷的特点，画中具有精谨艳丽的富贵气象。二、徐熙 南唐士大夫，终身不仕。他的画注意“落墨”，用笔不拘泥于精勾细描，而是信笔抒写，略加色彩。他所谓“落笔之际，未尝以赋彩晕淡细碎为功”，在一定程度上突破了唐以来细笔填色表现奇花异鸟的格式，而有所创造，被宋人称为“徐熙野逸”。北宋山水画 李成 字咸熙 南宋山水四家一、李唐 字 古。他的山水画严谨质朴，气象雄伟，犹存北宋风范，但造型章法以及笔墨上均明显地趋向简括，开创南宋山水画的新风。传世：《万壑松风图》、《清溪渔隐图》等（推荐书目：《宋代绘画史》）二、刘松年 刘工山水人物。其山水皴法受李唐影响，但变雄健为典雅，画风严密不苟，水墨青绿兼工，又精于界画。现存《四景山水图》、《罗汉图》等。三、马远 字遥父。他继承并发展了李唐的画风，以雄健的大斧劈皴画奇异险峻的山石峰峦，以拖技的多姿形态画梅树，尤善于在章法上大胆取舍剪裁，描绘山之一角、水之一涯的局部，画面上留出大副空白以突出景观，表现空旷浓郁的诗意。这种“边景之景”被后世称为“马一角”重要传世作品有《华灯侍宴图》、《山径春行图》、《西园雅集图》等。四、夏圭 字禹玉。夏圭用笔苍老，水墨淋漓，点景人物笔简神全，寥寥数笔而神态迥出传世作品《溪山清远图》，《西湖柳艇图》等。宋代院体花鸟画
崔白宋徽宗赵佶 宋代人物画高益、武宗元的宗教画 李公麟和白描人物画 宋代风俗画一、张择端《清明上河图》 张择端，字正道，擅长画建筑、车船等风俗题材，传世作品有《清明上河图》和《西湖争标图》。他是活跃于北宋后期的卓越的风俗画家。《清明上河图》，全卷以全景式构图，严谨细密的笔法，展现出北宋都城汴梁郊外汴河沿岸以及东角门里市区清明时节的风貌。画的内容结构大体可分为三个段落：开首郊区农村风光；中段是以虹桥为中心的汴河以及两岸船车运输，手工业和商业贸易活动；后段为城门内外，街道纵横，店铺比邻，车水马龙的繁华景象。这不但是一幅杰出的绘画作品，而且具有高度的历史文献价值。二、苏汉臣：《货郎图》、《婴戏图》、《五瑞图》等。宋四家：苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄。元代美术元四家与元代山水画之变元代中晚期对后世影响最大的当推数被称为“元四家”的黄公望，吴镇，倪瓒和王蒙。他们都是江浙一带的文人，都擅长水墨山水，又兼工竹石。一、黄公望，他在元四家中年岁最长，诗中自称“松雪斋中小学生”，专工山水，多表现常熟虞山，浙江富春山一带的风景。取法荆浩，董源诸家，加以融化，以水墨或浅绛设色作画，苍润浑厚，为明清文人画家所师法。传世作品《富春山居图卷》，《九峰雪霁图》二、倪瓒，所画山水主要表现太湖风光，近处树木，远山伏卧，中间大片汪洋湖水，意境清幽而荒寒萧索，带有孤独寂寞的感情色彩。他作画绝少设色，笔墨松秀简淡，极为明清文人画家推崇。传世作品有《渔庄秋霁图》，《虞山林壑图》等。三、吴镇，他作画吸取董源巨然皴法，笔墨雄秀清润，表现苍茫气象，喜作渔父图。话清远江湖中一舟悠然，并题渔歌于其上，词语清新，诗中如“只钓鲈鱼不钓名”等句，抒写其安贫乐道，自鸣高雅的情怀。所画墨竹用笔草草若不经意，而情态生动。他的传世作品有《渔父图》，《秋江渔隐图》，《竹谱册》等。四、王蒙，他画山水多表现隐居生活，但运笔和写景富有层次变化，章法稠密，景色郁然深秀，并能画人物。作品有《春山读书》，《夏日山居》等 永乐宫壁画（《朝元仙仗图》）永乐宫以三清殿及纯阳殿壁画最为精美壮观。《朝元仙仗图》分布于三清殿四壁，其中八个主像皆作帝王装束，周围排列，所绘人物形象极富变化，服饰各不相同，其中如帝王的庄严肃穆，真人的超凡脱俗，玉女的秀丽端庄，神将的威武剽悍，天蓬等元帅之怪异凶猛等，都画得神完气足，真可谓千变万态，无有同者。线描作莼菜条，施以重彩，局部作堆金沥粉，华美异常，也可见吴道子画风之影响。明清绘画 明代前期绘画宫廷绘画 刘俊、边景昭、孙隆、林良、吕纪。戴进、吴伟与浙派一、戴进 字文进。其山水以取法南宋马、夏为主，并能“变南宋浑厚沉郁之趣，成健拔劲锐一体“。他的山水画比南宋人措景丰富，较元人多生活实感，大多构图剪裁精当而景象恢弘，造型明快而富于质感，笔墨劲健而法度严谨，格调洒脱而清爽隽秀。山水画之外，戴劲也工人物、花鸟，其人物画和花鸟画在取材与画法上都较少新意，但是极见功力。当时宫廷内外追随者甚众，乃以戴的籍贯，称这一派为“浙派”。二、吴伟 字次翁。他的山水画师法马、夏，近则“源出于文进”，但“笔法更逸”，用水更多，气魄更大，布景造型也更简括整体。吴也擅长人物，精于元人白描、南宋简笔与唐吴道子用笔。是为“江夏派”的开山者。吴门四家明中期以后，随着院体与浙派的极盛而衰，以古称吴门的苏州为中心，形成了波澜日壮的吴门派。一般认为，这一画派兴起于沈周，成于文征明。吴门四家为沈周、文征明、唐寅与仇英。吴门派画家大多属于诗、书、画三绝的文人名士。致力于宁静典雅、风流飘逸的艺术风格，进而体现自得其乐的精神生活，成为他们山水花鸟画的普遍特点。一、沈周与文征明 在这两位画家的山水画中，水墨以及水墨淡着色的作品更为引人注目，并且都有粗细两种风格。沈周的山水画以粗笔为多。晚年醉心于吴镇，其师法吴镇而上溯董源、巨然，笔墨更加粗简劲健，质朴豪放，气势雄健，形成了笔丰墨健、浑厚沉郁、意态轩昂的主要风貌。其作品构图平稳，境界宁静优雅，洋溢着平和怡悦的气氛，在文静的情调里表达恢弘的胸襟、丰富的想象与蓬勃的生命力。其作品反映出来的审美趣味和笔墨意韵，代表了明代文人画的美学追求。文征明的山水画以细笔为主要面目。他宗法赵孟，旁参王蒙，每于繁密中见工致文秀。其作品情调娴静典雅，布景层叠上缺少纵深空间表现，树如纵剖、山多斜倚、追求平面效果，笔墨则于干枯中见秀润，于熟练中显生涩，设色清丽雅洁，自有一股“士气”充溢其中。抒情意味胜于沈周，气度格局逊之。三、唐寅与仇英 吴门四家中的唐寅与仇英分别代表了另外良种风格，体现了滥觞于此时而尤盛于清代的文人画家职业化与职业画家文人化的融合趋势。14． 顾恺之及其作品介绍；阎立本及其作品介绍；王羲之简介；颜真卿简介。顾恺之：（348— 409)，字长康，小字虎头，汉族，晋陵无锡（今江苏无锡）人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得” “以形写神”等论点，以及提出的“六法”。为中国传统绘画的发展奠定了基础。《女史箴图》卷 绢本，设色，纵25厘米，横349厘米。系根据西晋张华《女史箴》所画，主旨宣扬妇女的道德与节操，教诫后人。原11节，现存9节，每节均有小楷箴文。风格古朴，色泽鲜艳。末署“顾恺之画”，因而一直被视作东晋画家顾恺之传世名画，为历代皇宫贵族珍藏。乾隆把它视为最爱，在卷尾留下亲笔题字。画卷上留下的名字显示，每一个见其真容的人都曾声名显赫。1900年八国联军进京，此图从中国神秘消失，后被一名英国军官以两英镑的价格卖给大英博物馆。阎立本（601～673年），唐代雍州万年人，隋代画家阎毗之子，阎立德之弟。唐太宗时任刑部侍郎，显庆初年，代兄做工部尚书，总章元年为右丞相。擅长书画，最精形似，作画所取题材相当广泛，如宗教人物、车马、山水，尤其善画人物肖像。《步辇图》是以贞观十五年（641年）吐蕃首领松赞干布与文成公主联姻的历史事件为题材，描绘唐太宗接见来迎娶文成公主的吐蕃使臣禄东赞的情景《步辇图》是唐代画家阎立本的作品，内容反映的是吐蕃(西藏)王松赞干布迎娶文成公主入藏的事。它是汉藏兄弟民族友好情谊的历史见证。从绘画艺术角度看，作者的表现技巧已相当纯熟。衣纹器物的勾勒墨线圆转流畅中时带坚韧，畅而不滑，顿而不滞；主要人物的神情举止栩栩如生，写照之间更能曲传神韵；图像局部配以晕染，如人物所著靴筒的折皱等处，显得极具立体感；全卷设色浓重淳净，大面积红绿色块交错安排，富于韵律感和鲜明的视觉效果。此图一说为宋摹本，但摹绘较精，仍不失原作之真。幅上有宋初章友直小篆书有关故事，还录有唐李道志、李德裕“重装背”时题记两行。王羲之东晋书法家，字逸少，号澹斋，汉族，祖籍琅琊临沂，后迁会稽，晚年隐居剡县金庭，中国东晋书法家，有书圣之称。历任秘书郞、宁远将军、江州刺史。后为会稽内史，领右将军，人称“王右军”、“王会稽”。其子王献之书法亦佳，世人合称为“二王”。此后历代王氏家族书法人才辈出。东晋升平五年卒，葬于金庭瀑布山（又称紫藤山），王羲之代表作品有：楷书《黄庭经》、《乐毅论》、草书《十七帖》、行书《姨母帖》、《快雪时晴帖》、《丧乱帖》、《兰亭集序》、《初月帖》等。其中，《兰亭集序》为历代书法家所敬仰，被誉作“天下第一行书”。颜真卿（709-784，一说709-785）字清臣，唐京兆万年（今陕西西安）人，祖籍唐琅琊临沂（今山东临沂）。中国唐代书法家。开元二十二年（公元734年）中进士，登甲科，曾4次被任命为监察御史，迁殿中侍御史。因受到当时的权臣杨国忠排斥，被贬黜到平原（今属山东）任太守。人称颜平原。肃宗时至凤翔授宪部尚书，迁御史大夫。代宗时官至吏部尚书、太子太师，封鲁郡公，人称“颜鲁公”。建中四年（783）遭宰相卢杞陷害，被遣往叛将李希烈部晓谕，后为李缢杀。《颜氏家庙碑》，书法筋力丰厚，也是他晚年的得意作品。传世墨迹有《争座位贴》《祭侄文稿》、《刘中使帖》、《自书告身帖》等。15．《韩熙载夜宴图》简介；《富春山居图》简介；《簪花仕女图》简介。《韩熙载夜宴图》是中国画史上的名作，中国十大传世名画之一。[1]它以连环长卷的方式描摹了南唐巨宦韩熙载家开宴行乐的场景。韩熙载为避免南唐后主李煜的猜疑，以声色为韬晦之所，每每夜宴宏开，与宾客纵情嬉游。此图绘写的就是一次韩府夜宴的全过程。这幅长卷线条准确流畅，工细灵动，充满表现力。设色工丽雅致，且富于层次感，神韵独出。《富春山居图》是元朝画家黄公望的作品，是黄公望为无用师和尚所绘，以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，极富于变化，是黄公望的代表作，被称为中国十大传世名画之一。明朝末年传到收藏家吴洪裕手中，吴洪裕极为喜爱此画，甚至在临死前下令将此画焚烧殉葬，险在吴洪裕的侄子从火中抢救出，但此时画已被烧成一大一小两段。前段较小，称“剩山图”，现藏浙江省博物馆；后段画幅较长，称“无用师卷”，现藏台北故宫博物院；几百年来，这幅画辗转流失，而充满了传奇色彩。《簪花仕女图》，绢本设色，唐代画家周昉作，用笔朴实。气韵古雅。现藏辽宁省博物馆，描写贵族妇女春夏之交赏花游园的情景，画面描绘仕女们的闲适生活。她们华丽奢艳在庭院中游玩，动作悠闲、拈花、拍蝶、戏犬、赏鹤、徐行、懒坐、无所事事，侍女们持扇相从。其赋色技巧，层次明晰，面部的晕色，衣着的装饰，都极尽工巧之能事。轻纱的透亮松软，皮肤的润润光泽，都画得肖似，表现出作者具有高度的艺术技巧和概括能力。全图分为四段，分别描写妇女们采花、看花、漫步和戏犬的情形。16． 北魏时期石窟造像艺术简介；敦煌彩塑及壁画简介。17． 列举2-4位宋代著名山水画家，并简介其作品特色。李成（919～967）中国五代及北宋画家。字咸熙。原籍长安。他博学多才，胸有大志，但不得施展，遂放意诗酒书画，后醉死陈州（今河南淮阳）客舍。擅山水，师承荆浩、关仝，并加以发展，多画郊野平远旷阔之景。多作平远寒林，画法简练，笔势锋利，好用淡墨，有“惜墨如金”之称；画山石好像卷动的云，后人称这种表现技法为“卷云皴”。他和范宽与另一位山水画家关仝一起被称为“三家鼎峙”、“百代标程”的大师。今有《读碑窠石图》《晴峦萧寺图》、《茂林远岫图》等传世。《读碑窠石图》中画有一土岗，岗上树立一块大石碑，一老翁正在读碑文，旁边一位侍者持丈而立。图中乔木老树画得非常劲拔，爽润秀丽的笔锋画出寒林树杈，俗称“蟹爪”。画面体现出“气象萧疏，烟林清旷”的风格。《晴峦萧寺图》描绘的是冬日谷中之寺庙，两座主峰高耸重叠，左右的山峰低小远淡，山中楼阁突出，山下小桥流水，树木环绕，人来人往。“勾勒而形极层迭，皴擦甚少而骨干自坚”。范宽 字中立。初学李成、荆浩，后主要师法造化，深入自然山水间，“常危坐终日，纵目四顾，以求其趣”。北宋山水画家，生活于北宋前期，名列北宋山水画三大名家之一。《溪山行旅图》是其最杰出的代表作，画面几乎被山峰占据，顶天立地，壁立万仞。生动真实的展现了北方山水的壮美景色。从技法上可以看出范宽使用铁线描勾勒山型，线条方硬，山体用密集的“雨点皴”画成，成功的刻画出北方关陕地区“山峦浑厚，势状雄强”的特色，被誉为“得山之骨”，“与山传神”。传为他的作品的还有《雪山萧寺图》的多件。郭熙字淳夫，虽是李成画派，但能博采众长，对山川自然有着敏锐的感受。早年他的风格细致秀美，晚年落笔益壮，技巧熟练，构思敏捷。重视意境，无论高山峻岭，还是平原小景，取景布置都富有新意。现存作品《早春图》、《窠石平远图》、《关山春雪图》等。郭熙的山水画主张，经其子郭思整理成《林泉高致》，全书共分水训、画意、画诀、画题、画格拾遗，画记六篇。《窠石平远图》卷，北宋，郭熙绘，绢本，墨笔，纵120.8cm，横167.7cm。画面近景，溪水清浅，岸边岩石裸露，石上杂树一丛，枝干蟠曲，有的叶落殆尽，有的画出老叶，用淡墨渲染。远处，寒烟苍翠，荒原莽莽，群山横列如屏障，天空清旷无尘，是一派深秋的景象。王希孟〔北宋〕（1090——？）可以称得上中国绘画[1]史上仅有的以一张画而名垂千古的天才少年。然而史书中没有他的记载。王希孟十多岁入宫中“画学”为生徒，初未甚工，宋徽宗赵佶时系图画院学生，后召入禁中文书库，曾奉事徽宗左右，但宋徽宗慧眼独具：“其性可教”，于是亲授其法。《千里江山图》长１１８３厘米，大青绿着色，染天染水，富丽细腻，画中山川江河交流展现，点缀以飞流瀑布、丛林嘉树、庄园茅舍，令人目接不暇，代表了画院青绿一体精密不苟，严格尊依格法的画风。是青绿山水的一次复兴。18． 中国文人画特征，并简介其产生和发展。19． 唐三彩简介；宋词简介；明式家具简介；苏州园林简介；北京故宫简介。唐三彩是一种盛行于唐代的陶器，以黄、白、绿为基本釉色，后来人们习惯地把这类陶器称为“唐三彩”。唐三彩的诞生已有1300多年的历史了，它吸取了中国国画、雕塑等工艺美术的特点，采用堆贴、刻画等形式的装饰图案，线条粗犷有力。宋词是继唐诗之后的又一种文学体裁，基本分为：婉约派、豪放派两大类。婉约派的代表人物：宋代词人：李清照、柳永、秦观、晏殊等。豪放派的代表人物：辛弃疾、苏轼、岳飞、陈亮等。明式家具是指自明代中叶以来，能工巧匠用紫檀木、酸枝木、杞梓木、花梨木等进口木材制作的硬木家具。明式家具的风格特点造型造型大方，比例适度，轮廓简练、舒展。结构结构科学合理，榫卯精密，坚实牢固。材料精于选料配料，重视木材本身的自然纹理和色泽。工艺雕刻红脚处理得当。苏州园林是指中国苏州城内的园林建筑，以私家园林为主，起始于春秋时期的吴国建都姑苏时（公元前514年），形成于五代，成熟于宋代，兴旺于明代，鼎盛于清代。到清末苏州已有各色园林一百七十多处，现保存完整的有六十多处，对外开放的园林有十九处。占地面积不大，但以意境见长，以独具匠心的艺术手法在有限的空间内点缀安排，移步换景，变化无穷。1997年，苏州古典园林作为中国园林的代表被列入《世界遗产名录》。北京故宫，又名紫禁城，位于北京市中心，今天人们称它为故宫，意为过去的皇宫。故宫始建于公元1406年，1420年基本竣工，是明朝皇帝朱棣始建。故宫南北长961米，东西宽753米，面积约为723,600平方米。建筑面积15.5万平方米。无与伦比的古代建筑杰作，世界现存最大、最完整的古建筑群。被誉为世界五大宫之首（北京故宫、法国凡尔赛宫、英国白金汉宫、美国白宫、俄罗斯克里姆林宫）。20．吴道子、张萱、周昉、梁楷等介绍；元四家是指谁；明四家简介。吴道子(约680～759年)唐代画家。画史尊称吴生。又名道玄。汉族，阳翟（今河南禹州）人。约生于永隆一年(680)，卒于乾元元年（758）前后。少孤贫，初为民间画工，年轻时即有画名。曾任兖州瑕丘(今山东滋阳)县尉，不久即辞职。后流落洛阳，从事壁画创作。开元年间以善画被召入宫廷，历任供奉、内教博士、宁王友。曾随张旭、贺知章学习书法，通过观赏公孙大娘舞剑，体会用笔之道。擅佛道、神鬼、人物、山水、鸟兽、草木、楼阁等，尤精于佛道、人物，长于壁画创作。吴道子的创作首先表现在宗教绘画上。他创作了３００余堵壁画，涉及各类经变、文殊、普贤、佛陀等。传为吴道子的作品有：《地狱变相图》、《送子天王图》、《钟馗捉鬼图》等。张萱今陕西省西安市人，生卒年不详。开元（7l3～741）年间可能任过宫廷画职。流传下来的著名作品是《捣练图》和《虢国夫人游春图》。他善画人物、仕女。他画仕女尤喜以朱色晕染耳根，画婴儿既得童稚形貌，又有活泼神采。画贵族游乐生活场景，不仅以人物生动和富有韵律的组合见长，还能为花蹊竹榭，点缀皆极妍巧，注意环境和色彩对画面气氛的烘托和渲染。从他曾以“金井梧桐秋叶黄”之句画《长门怨》并且“甚有思致”来看，张萱是有文学修养并巧于构思的。他的人物画线条工细劲健，色彩富丽匀净。其妇女形象代表着唐代仕女画的典型风貌周昉 唐画家。字景玄，又字仲朗，京兆（治今陕西西安）人。出身显贵家庭，先后官越州、宣州长史。工士女，初学张萱，后则风格小异，多写贵族妇女优游闲佚的生活情景，衣褶劲简，容貌丰肥，色彩柔丽，颇为当时宫廷和士大夫阶层所欣赏。又擅作佛道宗教画，创制有民族风格的“水月观音”。雕塑者亦起而仿效，称为“周家样”。兼工肖像，有兼得神情之誉。亦能画鞍马、鸟兽、草木。相传《挥扇仕女》为其作品。其代表作有《挥扇仕女图》、《游春仕女图》、《宫骑图》等，多表现贵族妇女的幽怨生活。同时，周妨又是一名宗教画家，他画的形象“衣裳劲简，彩色柔丽。菩萨端严，妙创水月之体。”，这就是为后世广为承传的“水月观音”之体，被称为“周家样”。梁楷，南宋人，生卒年不详，祖籍山东，南渡后流寓钱塘(今杭州)。他是名满中日的大书法家，曾于南宋宁宗担任画院待诏。他是一个行迳相当特异的画家，善画山水、佛道、鬼神，师法贾师古，而且青出于蓝。他喜好饮酒，酒后的行为不拘礼法，人称是“梁风（疯）子”。梁楷传世的作品包含了《六祖伐竹图》、《李白行吟图》、《泼墨仙人图》等，但以《泼墨仙人图》最为有名。同时还是三门峡市的美术家协会的副秘书长元代中晚期对后世影响最大的当推数被称为“元四家”的黄公望，吴镇，倪瓒和王蒙。他们都是江浙一带的文人，都擅长水墨山水，又兼工竹石。一、黄公望，他在元四家中年岁最长，诗中自称“松雪斋中小学生”，专工山水，多表现常熟虞山，浙江富春山一带的风景。取法荆浩，董源诸家，加以融化，以水墨或浅绛设色作画，苍润浑厚，为明清文人画家所师法。传世作品《富春山居图卷》，《九峰雪霁图》二、倪瓒，所画山水主要表现太湖风光，近处树木，远山伏卧，中间大片汪洋湖水，意境清幽而荒寒萧索，带有孤独寂寞的感情色彩。他作画绝少设色，笔墨松秀简淡，极为明清文人画家推崇。传世作品有《渔庄秋霁图》，《虞山林壑图》等。三、吴镇，他作画吸取董源巨然皴法，笔墨雄秀清润，表现苍茫气象，喜作渔父图。话清远江湖中一舟悠然，并题渔歌于其上，词语清新，诗中如“只钓鲈鱼不钓名”等句，抒写其安贫乐道，自鸣高雅的情怀。所画墨竹用笔草草若不经意，而情态生动。他的传世作品有《渔父图》，《秋江渔隐图》，《竹谱册》等。四、王蒙，他画山水多表现隐居生活，但运笔和写景富有层次变化，章法稠密，景色郁然深秀，并能画人物。作品有《春山读书》，《夏日山居》等吴门四家为沈周、文征明、唐寅与仇英。吴门派画家大多属于诗、书、画三绝的文人名士。致力于宁静典雅、风流飘逸的艺术风格，进而体现自得其乐的精神生活，成为他们山水花鸟画的普遍特点。一、沈周与文征明 在这两位画家的山水画中，水墨以及水墨淡着色的作品更为引人注目，并且都有粗细两种风格。沈周的山水画以粗笔为多。晚年醉心于吴镇，其师法吴镇而上溯董源、巨然，笔墨更加粗简劲健，质朴豪放，气势雄健，形成了笔丰墨健、浑厚沉郁、意态轩昂的主要风貌。其作品构图平稳，境界宁静优雅，洋溢着平和怡悦的气氛，在文静的情调里表达恢弘的胸襟、丰富的想象与蓬勃的生命力。其作品反映出来的审美趣味和笔墨意韵，代表了明代文人画的美学追求。文征明的山水画以细笔为主要面目。他宗法赵孟，旁参王蒙，每于繁密中见工致文秀。其作品情调娴静典雅，布景层叠上缺少纵深空间表现，树如纵剖、山多斜倚、追求平面效果，笔墨则于干枯中见秀润，于熟练中显生涩，设色清丽雅洁，自有一股“士气”充溢其中。抒情意味胜于沈周，气度格局逊之。三、唐寅与仇英 吴门四家中的唐寅与仇英分别代表了另外良种风格，体现了滥觞于此时而尤盛于清代的文人画家职业化与职业画家文人化的融合趋势。21． 简要介绍南齐谢赫的《画品》以及六法论。谢赫是南齐前后的画家，理论家，以时装人物和肖像画为题材进行创作，但主要贡献在绘画理论发面。他的《画品》是古代第一部对绘画作品、作者进行品评的理论文章。《画品》中提出了绘画的社会功能以及品评绘画的六条标准，即“六法”：一、气韵生动；二、骨法用笔；三、应物象形；四、随类赋彩；五、经营位置；六、传移模写。“六法”的提出是古代长期绘画实践和理论探讨的具有总结意义的完整认识，在绘画发展史上有重要意义。22． 陈洪绶、朱耷、郑板桥、石涛等画家简介陈洪绶（1598～1652）。字章侯，幼名莲子，一名胥岸，号老莲，别号小净名、晚号老迟、悔迟，又号悔僧、云门僧。汉族，浙江诸暨市枫桥镇陈家村人。明末富有革新精神和独创风格的画家。著有《宝纶堂集》、《避乱草》等作品集。代表作《九歌图》及《屈子行吟图》十二幅，《水浒叶子》四十幅，《张深之正北西厢》六幅，《鸳鸯冢娇红记》四幅，以及他逝世前一年所作的《博古叶子》四十八幅等。朱耷（约1626年—约1705年），即八大山人，江西南昌人，明末清初画家、书法家。朱耷擅花鸟、山水，其花鸟承袭陈淳、徐渭写意花鸟画的传统。发展为阔笔大写意画法，其特点是通过象征寓意的手法，并对所画的花鸟、鱼虫进行夸张，以其奇特的形象和简练的造型，使画中形象突出，主题鲜明，甚至将鸟、鱼的眼睛画成“白眼向人”，以此来表现自己孤傲不群、愤世嫉俗的性格，从而创造了一种前所未有的花鸟造型。《古梅图》《甲子花鸟册》《书画册》顺治十六年所作《传綮写生册》（台北故宫博物院藏），和康熙五年作的《墨花卷》（北京故宫博物院藏郑板桥，是中国历史上杰出的艺术名人，“扬州八怪”的主要代表，以三绝“诗、书、画”闻名于世的书画家、文学家。他的一生可以分为“读书、教书”、卖画扬州、“中举人、进士”及宦游、作吏山东和再次卖画扬州五个阶段。《兰竹石图》《墨竹图》《柱石图》《荆棘丛兰石图》石涛（1630一1724年），明末清初的“清初四僧”之一。中国清代画家。僧人。作画构图新奇。无论是黄山云烟，江南水墨，还是悬崖峭壁，枯树寒鸦，或平远、深远、高远之景，都力求布局新奇，意境翻新。他尤其善用“截取法”以特写之景传达深邃之境。石涛还讲求气势。他笔情恣肆，淋漓洒脱，不拘小处瑕疵，作品具有一种豪放郁勃的气势，以奔放之势见胜。有《搜尽奇峰打草稿图》、《淮扬洁秋图》、《惠泉夜泛图》、《山水清音图》、《细雨虬松图》、《梅竹图》、《墨荷图》、《竹菊石图》等传世。著《苦瓜和尚画语录》，考研分为哪些阶段考研分为哪些阶段考研是指“全国硕士研究生统一招生考试”，指教育主管部门和招生机构为选拔研究生而组织的相关考试的总称。下面是小编为大家整理考研分为哪些阶段的相关介绍......古希腊文学的四个时期1古希腊文学的四个时期：荷马时代的希腊文学：主要文学形式是神话和史诗；（荷马时代也称英雄时代）奴隶制城邦国家形成时期的希腊文学：主要文学形式是抒情诗；“古典时期”的希腊文学：主......商标注册流程分为几个阶段商标注册流程分为几个阶段必经程序包括申请、形式审查、实质审查、初审公告、注册五个阶段。第一阶段：准备好申请文件报送到期商标局后，当天就可以取得商标局的报送清单回执，清......世界划分为13个区域世界划分为13个区域：东亚、东南亚、南亚、中亚、西亚、北非、撒哈拉以南的非洲、欧洲东部和西欧、北亚、北美、拉丁美洲、大洋洲、南极洲。但是传统媒体还是习惯于使用亚太、......西方音乐史第一章 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