有哪些艺术上的事实，没有一定艺术知识的人不会相信？一共11条，据统计，对于普通人来说下面只有3条不是冷知识看看你有几条之前就知道的。1、毕加索的名字，居然这么长。。。。。。
巴勃罗·毕加索，这个举世闻名的艺术家，几乎无人不晓。但毕加索的名字可远不止这几个字。 年轻的毕加索
他的全名其实是
巴勃罗·迭戈·何塞·弗朗西斯科·狄·保拉·胡安·纳波穆西诺·玛莉亚·狄·洛斯·雷梅迪奥斯·西普里亚诺·狄·拉·圣地西玛·特里尼达·路易斯.毕加索。虽然西班牙人的名字都很长，但是毕加索的名字简直长得令人害怕。
2、还是毕加索，关于《格尔尼卡》。
《格尔尼卡》
毕加索说过我不画我所看见的，我画我所知道的。
《格尔尼卡》的主题是西班牙小镇格尔尼卡被德国轰炸的景象。毕加索在画这幅画的时候，他的两个女朋友正在他的身后大打出手。也是十分言行一致了。如果有所收获，可以点赞，收藏，喜欢三连击！收藏的时候麻烦点个赞吧！你的支持非常宝贵！ 更多绘画知识，欢迎关注我！3、“有味道”的颜色（1）紫色。紫色这么漂亮的颜色，为什么很少出现在以前的画作里，甚至世界上那么多国家，几乎没有国家国旗上用到紫色呢？这主要是因为紫色原料稀少和提取工艺的复杂。
最早的时候，埃及人偶然发现海洋里的骨螺能提取紫色。这类海螺分泌出的腮腺在阳光的暴晒下，会呈现出神秘的紫色，因而它其实叫“骨螺紫”。但是据说 25 万只骨螺才能提炼出 0.02 千克的紫色，因而如此稀少的颜色便成为身份了的象征。
当凯撒大帝来到埃及，不止迷上了被紫色包围的埃及艳后克娄巴特拉，也迷上了这个颜色，并规定其为罗马皇室专用色。
虽然紫色成为高贵的象征，但它的提取过程却是十分“辣眼睛”。《颜色的故事》一书，曾对此进行了颇有“味道”的描述：“腐烂的染料骨螺与木灰一起，浸泡在馊臭尿液与水组成的混合物中。这些泛着紫色的大桶只能安放在城外，因为人站在旁边会被活活熏死。用这种染料上色的衣服带有一股鱼类和海洋的独特腥气。”直到1856年，年仅18岁的英国化学家威廉·珀金从廉价的焦煤油中提取出苯胺紫，这种“重口味”的生产过程才彻底终结。而众多国家的国旗在1856年之前就已经定下来了。（2）印度黄。只给牛喂食水和芒果树叶会有什么后果?会收获漂亮的颜料——印度黄。由于牛不能消化芒果树叶，尿液中的胆汁经蒸发过滤之后，就得到了印度黄，这种颜料常被做成球状出售。由于只吃芒果树叶，当地的牛全都面黄肌瘦，什么农活也干不了，所以到了19世纪，这一活动被印度政府取缔。《戴珍珠耳环的少女》如果你想学画画可以关注我的公众号：画学会如你所愿的！
荷兰画家维米尔就很钟爱印度黄，在他的很多画作中都大量使用了这种颜色。
《吉他演奏者》4、“艺考落榜生”希特勒
阿道夫·希特勒，纳粹党德国元首，第二次世界大战的发动者。希特勒曾希望成为一个画家，在维也纳期间他靠卖画维持生活，完成的作品也超过百幅。但他在19岁时报考维也纳艺术学院未被录取。希特勒对此一直耿耿于怀，认为没有录取他是“世界蒙受的重大损失”。后来的他发动的战争确实也给世界带来巨大的损失。
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希特勒绘画作品5、此杜甫非彼杜甫
中学课本上的杜甫画像人人都见过，但其实这副画像并非杜甫的真实长相。事实上，没有后人知道杜甫到底长什么样。至于这幅画里的杜甫，其实是画家蒋兆和照着自己样子画的。
课本杜甫像
1995年，画家蒋兆和受邀画一幅杜甫的画像，但他翻遍了史书也没有找到关于杜甫长相的描写，就干脆照着自己画了。反正。。。。。。6、艺术曾是“奥林匹克运动会”项目
从1912年到1948年，艺术竞赛一直是奥林匹克运动会的一部分。奥林匹克运动的创始人皮埃尔·德·弗雷迪（Pierre deFrédy）和顾拜旦男爵（Baron de Coubertin）的初衷之一就是举办艺术竞赛，授予受体育运动启发的艺术品奖项。
项目总共分为五类：建筑，文学，音乐，绘画和雕塑。
然而，这种带有陪审团的艺术比赛在1954年被迫停止，因为大家认为艺术家是专业人士，而参加奥林匹克运动会的则必须是业余运动员。因此在1956年之后，艺术竞赛被奥林匹克文化项目所代替。
如果你想学画画可以关注我的公众号：画学会如你所愿的！7、蒙娜丽莎为什么没有眉毛睫毛
达·芬奇众所周知的世界名画《蒙娜丽莎的微笑》，稍微细心的观众都会发现画中的蒙娜丽莎没有眉毛和睫毛。这难道是当时流行的审美？
《蒙娜丽莎的微笑》 实则不然，2007年时，法国工程师帕斯卡尔·科特宣布对这幅画进行的超高分辨率扫描提供了证据，表明蒙娜丽莎最开始画出来的时候是有眉毛和睫毛的，而且还挺清楚。不过随着时间推移，它们逐渐消失了，可能是因为过度的清洁导致了这样的结果
8、世界上描绘人物最多的油画
丁托列托是意大利文艺复兴后期重要的威尼斯画家之一。他出生在威尼斯的一个染色家庭。他的作品大多以宗教历史为主题，宣扬宗教虔诚，善用豪放手法。他们的画宏伟而富有想象力。他《天堂》被认为是世界上出现人数最多的油画。《天堂》
画的上方中央，耶稣正在给圣母加冕。周围分布着12使徒，众多的天使，神父、主教和教皇等人物。此外，《天堂》高10米，宽25米，也是世界上最大油画。9、《夜巡》其实画的是白天
伦勃朗创作的《夜巡》和委拉斯凯兹的《宫娥》以及达芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》被公认为世界三大名画。荷兰画家伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因创作于1642年的《夜巡》更是当仁不让的成为了荷兰阿姆斯特丹国博物馆的镇馆之宝《夜巡》
有趣的是，伦勃朗这幅画创作的时候，绘画的是白天光线从屋外照进室内的场景，但是挂这幅画的大厅是烧泥炭明火取暖的，时间久了，炭灰一层又一层的堆积在画面上，使得整幅画色彩变得暗淡。以至于到了18世纪，人们把这个原本是白天的场景误以为是在夜晚进行的，从而给这幅画取名为《夜巡》。如果有所收获，可以点赞，收藏，喜欢三连击！收藏的时候麻烦点个赞吧！你的支持非常宝贵！ 更多绘画知识，欢迎关注我！如果你想学画画可以关注我的公众号：画学会如你所愿的！

引言：北宋和南宋合称两宋，两宋以文治天下，朝野上下，颇染文风，在工艺美术领域也不例外，由于文风的熏陶，许多工艺美术作品都呈现出超越历代匠作的高雅趣味，自皇帝而下到士大夫到烧窑的窑工都深谙其道。因此，我们今天所见到宋朝呈现出来的整体风貌都是优雅简洁、含蓄内敛，通过宋朝的工艺作品可以窥见宋人的情调和精神，通过两宋的文艺诗画又可反照工艺作品，文学、艺术、工艺彼此相互勾连，均不能独立存在，是为一体。戈特弗里得.桑佩尔曾指出艺术与其环境、天气、材料等都有关系，吉迪恩直接将设计史看作是一部技术史，工艺美术不止与材料技术有关，还与他同时期的文化背景和社会意识形态直接相关，当我们谈论两宋的工艺美术时，总免不了要先谈谈这些看似与工艺美术本身并无利害关系的东西。民国时期的史学家陈寅恪先生有言：“华夏民族之文化，历数千载之演进，造极与赵宋之时”，作为文化一部分的工艺美术，也造极于两宋。“少喜唐音，老趋宋调。绚烂之极，归于平淡，平淡之中，却尽得风流。经过大唐的富足、华丽、奔放，到了宋代，洗尽铅华呈素姿，开始呈现简洁、婉约、清丽、内敛之美。如果说色彩诉诸的是感觉，线条诉诸的是心灵，那么宋代的瓷器，呈现的却是那一代人的情趣和境界，铸就了宋瓷审美在深度和精度上的不可逾越。”李泽厚在美的历程中宋朝的文艺风格做了以上概括，深刻地道出了宋朝的工艺美术发展的特点和内涵。宋朝是个重文抑武的朝代，历朝皇帝皆推文治，尚文风，因此自上而下，宋朝是一个普遍被染文艺之风的朝代。南渡之后，宋朝国土失半，国力渐衰，但皇室仍偏安一隅，不与外争，也不励精图治。终日沉溺于花鸟文章。上下朝臣有不满于此的，因无力挽回，亦选择隐逸，放逐于诗书字画之间。由此，中国的工艺美术乃至文艺各方面都被推向了历史的最高处。唐朝将封建制度推向了盛期，进入宋朝，却急转而下，封建王朝迎来了他的中后期。由于前朝积累，工艺技术及财力各方面没有因大规模持续性战争的破坏而得到积累，民生也较好地得已休养生息。宋朝又采取开放的经济政策，拆除市墙、坊墙，打破市坊界限，面街设市，形成街市。市民经济因此得到繁荣。按照现在的说法，宋朝的人均GDP应是历朝历代中最高的吧。张择端的清明上河图，以528.7米长，24.8米宽的巨幅长轴描绘了北宋都城汴梁的城市面貌和当时社会各阶层人民的生活状况，不仅生动形象地再现了宋朝都城的繁荣风貌、还为我们研究宋朝的工艺、技术、商品、建筑、服饰等提供了很好的参考资料。一、“出发芙蓉”之初显宋朝以以靖康之难为分界线，将其分为北宋和南宋，前者与后者在工艺风格和艺术造诣上略有区别，但大同小异，中国每一次朝代更迭或多或少都会开辟新的文艺之风，但新朝之初都总继承一些前朝之风，之后再渐换新风。两宋也不例外。“从中唐到北宋则是世俗地主在整个文化思想领域内的多样化地全面开拓和成熟，为后期封建社会打下巩固基础的时期”李泽厚在美的历程中，将北宋的美学风格和中晚唐并在一起，认为盛唐之后，“大批涌现的世俗地主知识分子虽然仍在标榜儒家教义，实际却沉浸在各自的各种爱好之中：或享乐，或消闲；或沉溺于声色，或放纵于田园”；北宋的定窑是宗亲贵族的最爱，这一时期的定窑生产白瓷，常在内外采用刻花和划画的装饰技法。因采用覆烧法，口沿无釉，故有“定器有芒”一说，为解决这一弊端，又在口沿部位加以金扣或银扣。如此一来，虽然整体典雅精致，但较南宋的汝窑而言，装饰仍略显满密且有杂乱之感，可是，对于盛唐的“雕瞆满眼”而言，已初显“初发芙蓉”之可爱。入宋后，铜矿资源日益稀缺，官府明文下达了禁铜令，许多祭祀礼用之器也由铜器换成了瓷器，北宋皇室用瓷器仿造了大量三朝的青铜礼器，这些仿制的瓷礼器虽然外观造型与夏商周制无异，但已没有了后者的繁缛与神秘，代之以清新润泽的质感和典雅含蓄的古意，明清兴盛一时“仿古”之风和金石之学即发端于此。二、“诗意”之器北宋的山水花鸟已有显著发展，荆关董巨和米家父子以及李成范宽在唐朝的山水画基础上又向前迈进了一步，荆浩在其重要的山水理论著作“笔法记”中，提出了六要“气、韵、思、景、笔、墨”，在山水画的领域发展了谢赫的六发论，第一次在山水画中提出“韵”的重要。虽然摹写山林野趣、板桥枯树，有了朦胧之感、氤氲之氛，但这时候的“韵”仍是“无我的”，随着马远和夏圭的残山剩水逐渐替代北宋之前的满山满水，山水画的诗意也紧跟着扑面而来：“所试之题如野水无人渡，孤舟尽日横，自第二人下，多系空舟岸侧，或拳鹭于舷间，或栖鸦于蓬背；独魁则不然，画一舟人卧于舟尾，横一孤笛，其意以为非无周人，止无行人耳”《画继》。易传曾有“立象以尽意”的说法，这时的山水画变成了“尽意”的媒介，尺幅之一角亦难以吐尽胸中之意绪。厚釉胎薄的青瓷汝窑是继定窑之后，宋朝亲贵们的又一赏好，定窑的刻画花和扣边随着文人士子们品位的提升，渐被淘汰，而透着玛瑙般莹润之感的汝瓷取而代之，不施任何修饰的汝瓷以邤长之姿和姣好的比例博得了士子文人们的热爱，“不着一字，尽得风流”说的就是汝瓷吧，朴素中蕴含着高贵、单纯中蕴含着诗意，众人爱他捧他，随之掀起了一股素朴无华的风潮。欧阳修曾言“道尚取乎反本，理何求于外饰”，庄子也说“既雕既琢，复归于朴”。因此，那些往日在生产过程中自然出现的疵品斑纹也因其巧法了造化、顺应了自然之道，而渐被推崇，钧窑炫目的紫红斑、蓝绿斑引得后世纷纷效仿，甚至出现了以“仿钧”而成名的石湾窑。三、“经典”之美宋朝以降，绘画性装饰逐渐成为主流，唐朝及之前的象生性的动物装饰越来越少，秾丽饱满的宝相花和联珠纹也再难见其踪，风靡一时的牡丹，被象征风骨的岁寒三君子、梅兰竹菊抢了风头，与唐代的花头多取正面，构图常用团花肥叶迥然不同的是，宋朝构图多用缠枝或折枝，盘绕翻转，越发凸显其隽秀柔美，前期构图较满，后期则疏朗有致。蜀锦中的八答晕、天下乐、一年景等寓意吉祥的图案成为后世“图必有意、意必吉祥”的开端。明朝之后流行至今的宋锦，就是从宋朝的淳化阁帖里撕下来的图案仿制而成，那些典雅的图案在历史长河中历经沉浮变成了一种永恒的经典。宋朝皇室对于丝织行业的贡献还绝不止于此。当其仓惶南渡之后，由于南方暑热天气较长，促成了罗这一薄型丝织业的兴盛，罗是一种绞经类织物，因此织物中间有许多细小的孔洞，柔软亲肤、凉爽透气，颇受宠爱。宋朝织物之最还是缂丝，这种被称做软黄金的织造工艺是以通经断纬的方式织成，另外宋朝也是历史上第一个将十字型裁剪方式固定下来的时期，前后中心破缝裁剪成为此后至民国的传统裁剪范式。在文学发达、理学初兴的宋朝，对礼制的要求格外严苛，或许这样的十字形裁剪是要遵循儒家的中庸传统吧。有人认为苏轼是最能代表宋朝这一时期思想特征的一个人，他既积极入世，谋求致君尧舜上的崇高使命，又懂得怎样在人生失意、败走麦城之后宽慰自己，以出世的心态笑笑了了。这种思想特征表现在工艺美术领域是既没有无技不施展的诡奇，也没有丝毫不作为的保守。“喜怒哀乐之未发，为之中；发而皆中节，谓之和。中也者，天下之大本也，和也者，天地之达道也。致中和，天地位焉，万物育焉”。你看那龙泉窑的青瓷，粉青色的釉层，堆塑的双耳，修长的壶身，精确的比例，多一分嫌多，少一分嫌少。还有为了适应广泛阅读加大印刷速度而发明的宋体字，横轻竖重，不仅更易于雕刻，而且更适于阅读，同楷书的左轻右重不同的是，宋体字完全合乎左右对称的体式，按照人眼的对称特征看来，这样的安排是更有赏心悦目之美感的。没有传统书法明显的一波三磔，简洁、收敛，完全合乎宋朝典雅洗练的审美情趣，这种简洁不是无内容的，而是饱含着美与和谐，所以能沿用至今，柯布西耶曾经在游览帕特农神庙后说“我们触及到了和谐的真谛。没有宗教问题的干扰；没有表示象征的内容；没有自然主义的陈述；在精确的关系中只有纯粹的形式”，这里用在宋体字的身上也不为过吧。四、“美艺”与“民艺”，有人评论宋朝的设计：由于文人士子的带动，全国上下的工艺美术呈现出相差无几的风格面貌，民间艺人和窑工尽抄文人们的设计风格，因此抑制了创新，而影响了设计的发展。作为设计要素之一的创新，固然重要，但我想这个人的论点恰恰说明了宋朝的朝野上下整体都遵循了一种风格，即洗练典雅、含蓄内敛，纤柔精巧。能将这样高级的审美趣味应用到生活各个方面，已属不易，文人士子们非但没有因此被褒奖，反倒被追责，怎么说来，都是委屈不已。20世纪初期的中国，备受欺凌和压迫，人民的物质生活和精神生活都饱经摧残，这个时期许多文人学者都提出要以美育代宗教，积极呼吁美育救国，作为西南联大著名学者之一的陈寅恪先生应该也不例外。柳宗悦在民艺论里，将工艺品分作民艺（民众的工艺）和美艺（美术的工艺），贵族的、资本的、个性的工艺都属于美艺范畴。宋朝的典型审美趣味是普遍的，是民众的也是贵族的，是民艺也是美艺。宋朝那些生产出建盏、哥窑瓷器的普通窑工，正是受到了宋朝士大夫文人审美趣味的感染和影响，才能制造出那些令今人遥遥感叹却不能及的作品。与清朝那些华而不实、造作堆彻之作比起来，宋朝的工艺艺术是渗透进生活之中，常伴人们左右，普遍作为日常使用的大众工艺品，而不是放在博古架上，仅供欣赏之用。既然是民艺的，那么他一定是可以使用的，是健康的，是自由的，钧窑的窑工们在烧造时，自由地任其窑变，而没有丝毫的故意为之或诚惶诚恐。最后呈现出来的状态有完美的也有不那么完美的，但都是健康的可以使用之物，都别有一番美趣。日本的民艺运动发起于20世纪二、三十年代，彼时留学于日本的周作人深受其影响，曾大力主张艺术的生活，认为“生活的艺术”的实体是生活的“技术”，但当审美的主体成人这种技术是“美”时，它便成为了“艺术”。我们日常的生活是被器物填满的生活，自孩童开始，眼目所及，身体所触皆是器物，倘若这些物品丑陋造作，我们的审美观乃至世界观将如何受其影响，而倘若这些物品都是美的、健康的，又该是何等地有益于我们身心的成长。所以大众普遍使用的物品反映的不只是物质水平和生产技术，还一定程度地反应其相对应时期的时代精神和民族好尚。我们现在看宋朝，除了听琴图，还有宋瓷等等，这就是宋朝的时代精神代表。结语：宋朝的文化与工艺美术能成为中国历代之最，必然有其各方面综合作用的因素，与当时的经济环境有直接影响，导致生产技术空前发达，也与自上而下的对文艺的推崇有关，宋朝的地主市民文化异常繁荣，以致于器物等商品需求激增，普遍民众审美品位的提升，使得这些器物均能脱于庸俗，颇得雅趣。总之，素朴无华，简单优雅，含蓄内敛，不单是只存于上层阶级之中，下野的普通民众也普遍受其熏染，亦得其乐。这对于我们当代的设计师而言，自有学习之处，更应深刻自省，当我们一味学习西方设计，是否该频频回顾这些被我们忽略的中国传统工艺美术，当我们奉行“拿来主义”那一套，将古代的作品断章取义地随意嫁接时，是否合理。杭间教授说“器物世界需要孕育成一个系统，以使其可以安顿人的灵魂”。当代，如何将作为“泱泱华夏人”的灵魂妥当安放在我们所设计之器物中，值得深思。-工艺-五大窑（汝官哥钧定）+景德镇，龙泉窑，耀州窑，建阳窑，磁州窑河南汝窑《莲花式温碗》河南官窑《青釉弦纹瓶》浙江哥窑《青釉贯耳瓶》，金丝铁线河南钧窑《月白釉出戟尊》，窑变=海棠红+玫瑰紫河北定窑《孩儿枕》这里是热爱分享美术史论干货的小雀！

2023-04-10 14:52
来源:
艺术史论解析官发布于：山东省
-建筑-
补充：[北宋]李诫《营造法式》
我国古代最完整的建筑技术书籍
标志中国古代建筑已经发展到较高阶段
[北宋]晋祠
周柏唐槐、难老泉、宋代彩瓷被誉为“晋祠三绝”
[北宋]定州开元寺料敌塔-用于瞭望军情而得名
国内现存最高的砖质结构塔
[北宋]河南开封-开宝寺塔
[北宋]独乐寺观音阁
我国已发现的年代最久远的古木建筑
[辽]山西应县木塔/佛宫寺释迦塔
世界现存最古老全木结构高层塔式建筑
[金]北京卢沟桥-现存最古老石造联拱桥
[元]北京妙应寺白塔-我国现存最早最大的藏式佛塔
属于喇嘛教建筑，俗称“白塔寺”
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